美术鉴赏五(简化版).ppt

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1、西方现代美术,任课教师：陈玲,一、后印象主义绘画二、立体主义绘画三、野兽主义绘画四、表现主义绘画,一、后印象主义,后印象主义的由来：“后印象主义”(PostImpresionsm)一词，是由英国美术批评家罗杰弗莱(Roger Fry)发明的。据说，1910年在伦敦准备举办一个“现代”法国画展，但是临近开幕，画展的名称还没有确定下来。作为展览组织者的罗杰弗莱事急无奈，便不耐烦地说：“权且把它称作后印象主义吧”。这一偶然而得的名称，毕竟还切合实际，因为参展者都是印象派之后的画家。以后，“后印象主义”便被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出

2、者有塞尚、凡高、高更和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。,后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。凡高和高更则专注于精神性与情感的表现，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。

3、后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。,保罗塞尚(Paul Cezanne，18391906),戴帽的自画像，塞尚作，1897-1882年，油画，65x51厘米，伯尔尼美术馆藏。,保罗塞尚(Paul Cezanne，18391906)后印象主义的代表画家，出生于法国南部城市埃克斯普罗旺斯。其父是一位富有的银行家，曾一心想把儿子培养成律师。然而塞尚却对法律不感兴趣，而特别醉心于绘画。1862年，23岁的塞

4、尚终于冲破家庭阻挠，来到巴黎专攻绘画。他经好友左拉介绍，结识马奈、毕沙罗等印象主义画家，并多次参加印象主义画展。后来，他由于不满于印象主义的艺术追求，而与印象主义者分道扬镖，从此专心于自己的艺术探索，并在绘画上取得巨大成就，成为西方现代美术史上一位卓越的、划时代的画家。塞尚的艺术主张：塞尚重视绘画的形式美，强调画面视觉要素的构成秩序。这种追求其实在西方古典艺术传统中早已出现。而塞尚始终对古典艺术抱着崇敬之情。他最崇拜法国古典主义画家普桑。他曾说：“我的目标是以自然为对象，画出普桑式的作品。”他力图使自己的画，达到普桑作品中那种绝妙的均衡和完美。他向着这方面，进行异常执着的追求，以致于对传统的再

5、现法则不以为然。他走向极端，脱离了西方艺术的传统。正是如此，他被人们尊奉为“现代绘画之父”。,水果盘、杯子和苹果，塞尚作，18791882年，4655厘米，巴黎，勒内勒孔特收藏。,塞尚认为，画家创作一幅画，“哪一条线都不能放松，不能留有任何缝隙，以免让感情、光、真实溜了出去”，这是他的创作经验。从静物画水果盘、杯子和苹果，可以看出塞尚的探索精神和画风特色。在这幅画中，物体成了画家借以分析形体和组建结构的媒介。塞尚将它们高度地简化，并以深色线条勾出轮廓，使其看起来显得明晰而坚实。为实现画面有秩序的布局，他有意地歪曲画中的透视关系，将水平的桌面画得仿佛前倾，使桌上的物品得到充分的显示。他也不在意物

6、象的远近不同而产生的视觉上的虚实差别，而将画中物象在清晰度上，处理在同一个平面。这样既强化了物象的实在性，又可以加强平面上构成的意味。同时，他有意地把那只果盘的支脚画得不在正中，虽然盘子看起来有点别扭，却有效地使画面的诸视觉要素有序地联系起来而达到相互平衡。那偏向左侧的水果盘上部，与左上角背景的一簇叶子相互联系，而这簇叶子又与右上角的那簇叶子相呼应。塞尚通过画中的图象，在画上组成了两道交叉的对角线其中一条起于左上方的叶子，并通过果盘上部、画中央的那堆苹果，直到右下方的小刀和桌布边结束；另一道虽色彩偏暗，却也清楚可辨：从右上方的叶子开始，经玻璃杯、中央苹果堆，一直延伸到左下方的桌角。这两道斜线在

7、画的中央交叉，构成了画面稳固的框架。,在塞尚画中，整体关系，有如一张网络，所有物象在网络上各得其所。任何细节和局部都不可随意挪动，否则，整个结构便会失去平衡。对此西方曾有人评论说：“如果试想从17世纪荷兰的静物画中拿一个东西，立即就好象到了你手里；而如果想从塞尚的静物画里挪动一只桃子，它就会连带把整幅画一起拽下来。”从这幅画中我们可以深刻体会评论的含义。,穿红背心的少年，塞尚作，1895年，油画95.564厘米，苏黎世，比尔勒收藏,玩纸牌者，塞尚作，1890年11892年，油画，4557厘米，巴黎奥塞博物馆藏。,塞尚曾画过多幅玩纸牌者题材的画，画上人物多寡不一(其中最大的一幅上，共画了五个人物

8、)。而最为著名的，要算是这幅只画有两个人物的玩纸牌者)。在这幅画上，塞尚将两个沉浸于牌戏中的普通劳动者形象，表现得平和敦厚，朴素亲切。虽然主题十分平凡，然而画家却通过对形状的细心分析以及通过诸形式要素的微妙平衡，使得平凡的题材获得崇高和庄严之美。在这里，相对而坐的两个侧面形象，一左一右将画面占满。一只酒瓶置于桌子中间，一束高光强化了其圆柱形的体积感。这酒瓶正好是整幅画的中轴线，把全画分成对称的两个部分，从而更加突出了牌桌上两个对手的面对面的角逐。两个人物手臂的形状从酒瓶向两边延展，形成一个“W”形，并分别与两个垂直的身躯相连。这一对称的构图看起来是那样的稳定、单纯和朴素。全画充分显示了塞尚善以

9、简单的几何形来描绘形象和组建画面结构的艺术风格。画面的色调柔和而稳重。一种暖红色从深暗的色调中渗透出来。左边人物的衣服是紫监色；右边人物的是黄绿色。所有远近物象都是用一片片色彩所组成。不同的色块在画中形成和谐的对比。塞尚其实是以所谓的“变调”来代替“造型”，即以各色域的色彩有节奏的变换来加强形象的塑造。正象他自己所言：“当颜色丰富时，形状也就丰满了。”,圣维克多山，塞尚作，19041906年，油画，7391厘米，费城美术馆藏。,凡 高,自画像，凡高作，1889年，油画，6554厘米，巴黎，奥赛博物馆藏。,凡高把第二幅自画像(即本幅)看作自己神志正常的标志。我希望你能看出我面孔比过去平静得多了,

10、尽管在我自己看来我的神色比以前茫然呆滞了些。我带有另外一幅,那是我在病中试着画的,不过我觉得你会更喜欢这一幅,我在创作这幅画时有意画得简约质朴些。等你见到老毕沙罗时,把这幅画给他看看。与凡高自己看法正相反,这面孔绝非平静,表情也绝非茫然呆滞;更准确地说应该是坚定、专注、决不退缩。作者用旋动的冰蓝色笔触描绘出似乎在颤动的背景,背景衬托出身着中产阶级上衣和坎肩、留着桔红色头发和胡须的画面主公,同时画家的面孔又出现了我们所熟悉的气质性光彩。凡高这幅作品的目的即是暗示自己要恢复信心。他让泰奥把这幅毕沙罗看,这表明他急切地想离开医院,想回到画家群体的环境中去。在同一封信中,他还写道:一个人毕竟不应该仅仅

11、作画,他还必须跟人见面,必须不时地调整自己的情绪,并且通过与别人的接触给自己补充思想内容。凡高把这幅作品看作自己身心复原和可以重新作画的标志,因此当他回到北方时,便从泰奥那里将它取走,把它带到了奥弗。这幅作品感动了奥弗的加歇医生,他想要一幅摹绘品。然而凡高并没有留的摹绘品,不过也许是为了让这位恩人高兴,他采用这幅作品的色调和笔法风格,为医生画了一幅肖像。凡高的自画像所表现的是现代画家的气质与抱负,是从画家的立场上追求的乌托邦式的理想境界。背景使用灰蓝色的连续曲线,产生如旋涡般的效果。木然的神情与变动的背景形成对比。而他的眼神,就如安东尼阿得所说的,能把一个人穿透一般。,吃土豆的人，凡高作，18

12、85年，82114厘米，阿姆斯特丹，国立文森特凡高艺术馆藏。,向日葵，凡高作，1888年，油画，9573厘米，伦敦，泰特画廊藏。,星夜，凡高作，1889年，油画，7492厘米，纽约，现代艺术博物馆藏。,带光环的自画像，高更作，1889年，88 57厘米，华盛顿，国立艺术馆藏。,在后印象主义画家中，高更(Paul Gauguin，18481903)的绘画以其原始性与象征性的倾向，以及所谓“综合主义”的画风，在西方现代艺术史上独树一帜。高更早年当过水手，做过商人。1871年，他来到巴黎，成为一名证卷经纪人。这时，他在好友施弗纳克影响下，对绘画产生兴趣。1883年，一直是业余作画的高更，突然抛弃了他

13、那前途远大而令人羡慕的银行职务，而决定去做一名职业画家，此时，他已35岁。他起初迷恋印象主义画风，参加过几次印象派的画展，后来由于受象征主义美学观念的驱使，而离开印象主义，并走上了与之相反的艺术道路。高更艺术特点及主张：1、高更反对印象主义那种客观再现自然的艺术追求。他在1888年写道：“艺术是一种抽象，它从自然中分离出来，而较少考虑自然。”(休昂纳、约翰弗莱明著(世界美术史)，国际文化出版公司，1989年，第532页)2、他把绘画视为独立于自然之外的东西，认为绘画应表现“思想的神秘核心”，表现“跟人的激情相似的某种强有力的东西”(贡布里奇语)。3、他崇尚原始精神，厌恶西方文明。在他看来，西方

14、文化与人类的感情脱节，把人卷入一种缺乏道德和精神的生活，使人只为了物质拼命，而忘却心灵世界的需求。4、他以象征主义笔调，画那些充满原始情调的生活，把自然与幻想、现实与象征紧密地揉合，在一幅幅作品中，表现了宗教的情感和原始的诗意。,布道后的幻觉，高更作，1888年，油画，73o92厘米，爱丁堡，苏格兰国立画廊藏。,黄色基督，高更作，1889年，油画，92x 73厘米米，布法罗，欧伯莱特诺克斯画廊藏。,塔马泰特,你為何生氣?,白馬,何時嫁人,戴芒果花的大溪地年輕姑娘,二、分解与重构立体主义绘画,1908年，在巴黎秋季沙龙的展览上，当野兽派画家马蒂斯看到毕加索和布拉克的那些风格新奇独特的作品时，不由

15、得惊叹道：“这不过是一些立方体呀!”同年，评论家沃塞尔在吉尔布拉斯杂志上，借马蒂斯的这一说法，对布拉克展于卡思维勒画廊的作品评论说：“布拉克将一切都缩减在立方体之中”。他首先采用了“立体主义”这个字眼。后来，作为对毕加索和布拉克所创的画风及画派的指称，“立体主义”(Cubism)的名字便约定俗成了。在西方现代艺术中外，立体主义是一个具有重大影响的运动和画派。其艺术追求与塞尚的艺术观有着直接的关联。立体派画家自己便曾声称：“谁理解塞尚谁就理解立体主义”。立体派画家受到塞尚“用圆柱体、球体和圆锥体来处理自然”的思想启示，试图在画中创造结构美。他们努力地消减其作品的描述性和表现性的成分，力求组织起一

16、种几何化倾向的画面结构。虽然其作品仍然保持着一定的具象性，但是从根本上看，他们的目标却与客观再现大相径庭。他们从塞尚那里发展出一种所谓“同时性视象”的绘画语言，将物体多个角度的不同视象，结合在画中同一形象之上。,巴勃罗路易兹毕加索Pablo Ruiz Picasso 1881-1973 享年92岁 西班牙人。1900年至巴黎，1904年以后定居法国，是现代艺术（立体派）的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他的父亲是个美术教师，又曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力.他一生中画法和风格几经变化：第一时期是：“蓝色时期”；第二时期是：“玫瑰时期”；第三时期是：“黑人时期”；第四

17、时期是：“立体主义时期”：分成分解和综合两种形式；第五时期是：“古典主义时期”；第六时期是：“超现实主义时期”；最后是“抽象主义时期”。作品数量(有记录的至少数量)：油画 1876件，素描 7089张(另外 149本笔记簿內有 4659张素描，雕塑 1335件，陶艺 2880件，版画 18000张。剧本 2本。,生平简介,1903,1902,1901,1901-1904,藍色時期,蓝色时期(1901年到1903年)毕加索在这个时期作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品。那时候的蓝色，是贫穷和世纪末的象征，于是作品多表现一些贫困窘迫的下层人物，画中的人物形象消瘦而孤独。至

18、于为什么毕加索会采用蓝色作为主调，尚没有确定的说法。一种说法认为是受法国画家莫奈和卡里埃的影响，认为这种色调加强了画面中的诗意成分。另一种说法则认为，毕加索之所以偏爱蓝色是因为它代表着忧郁。也就在那片单色的浅蓝、粉蓝、深蓝、湛蓝中，毕加索开始走上他的成功之路。,1906,1905,1904,1904-1907,玫瑰時期,玫瑰红时期 1903年到1906年毕加索从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“玫瑰红时期”的典型画法。,1907-1916,立體派時期,1915,1912,1911,1909,1908,1907,立体主义时期(19101911是分析立 体主义时期；191

19、21914是综合立体主义时期)这个时期的观点是：不要去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。,1947-,陶艺作品,科学与仁慈 1897年 画布 油彩 197249.5厘米 毕加索 馆 巴塞罗那,人生是毕加索“蓝色时期”的代表作。他在这一时期，目击贫困、绝望与孤寂的人们，加上好友卡萨赫马斯因失恋而自杀的影响，其作品常以蓝色为主调，加强了忧郁和悲哀的气氛。画面中，右侧的妇女停下沉重的脚步，默默无言，双眼直盯着对面的两个依偎着的年轻人。在这位妇女的视线里究竟隐藏了什么？这眼光也许在说，怀中的婴儿即使在绝望中也得继续那无法逃避的人生。画

20、面左侧，男女两人依偎在一起。那位男的形象在写生阶段还像毕加索自己，但到作品完成时却变成了好友卡萨赫马斯的形象了。卡萨赫马斯是一位立志投生绘画艺术的青年，却在巴黎自杀身亡。因此，这幅画里，还包含了毕加索对青年好友的痛苦回忆。,人生 196.5 x 128.5 cm1903,吉他，1913年，藏于纽约现代美术馆。,在海滨的女人，1918年，现藏与巴黎毕加索美术馆这是一幅构图活泼自由，色彩艳丽明朗的古典作品。创作灵感来自庞贝古城富有表现力的壁画。,牧笛，1923年，205X174.5cm，藏于巴黎毕加索美术馆。古典主义时期所要求的意境、优美的构图，与元素间对应的完整，在本幅画中发展得十分理想成熟。,

21、玛丽.黛莉丝的画像（戴帽的女人），1937年。,玛雅和玩偶,玛雅在巴黎的寓所（1996年）,朵拉.玛尔画像，1937年，92X65cm，现藏于巴黎毕加索美术馆。朵拉.玛尔是一位智慧与美貌兼具的女性，后来成为毕加索的固定伴侣。画中以较具知性且鲜明强烈的色彩呈现出她的个性。,宫廷的侍女们1957年,三、色彩的抒情野兽主义绘画,野兽主义(Fauvism)是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放

22、的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。野兽主义得名于1905年巴黎的秋季沙龙展览，当时，以马蒂斯为首的一批前卫艺术家展于同一层厅的作品，引起轩然大波。有人形象地将这些画称作“一罐颜料掼在公众的面前”。而那位后来创出“立体主义”名称的吉尔布拉斯杂志的记者路易沃塞尔，则突发灵感地想到了这一恰也合适的名称。他在那个被刺目的色彩弄得喧嚷不已的展厅中央，发现马尔凯(Albert Marquet)所作的一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多那太罗被关在了野兽笼中!”(多那太罗系意大利文艺复兴时期杰出雕塑家：笔者注)。不久，这一俏皮话便在吉尔布拉斯杂志登出，而“野兽

23、主义”的名称也很快被广“泛地认同。翌年当“笼子”里的“野兽”倾巢而出，举行一个接一个惊人的展览时，野兽主义则已是影响巨增，势头高涨了。这一初含讽刺意味的名称，后来也逐渐失去了它的贬义。,马蒂斯,“我把色彩用作感情的表达，而不是对自然进行抄袭。我使用最单纯的色彩。”,带绿色条纹的马蒂斯夫人像，马蒂斯作，1905年，40 x 32厘米，哥本哈根美术馆藏。,带绿色条纹的马蒂斯夫人像,充分反映了马蒂斯野兽主义画风的特点。虽然此画的色彩极其浓重和强烈，但整个画面却显得十分沉静。这里的色彩完全是主观感受的产物，而绝非客观的如实模仿。据说，马蒂斯夫人曾身着黑衣摆好姿势让他写生，可他所画出的，却是色彩鲜艳到极

24、点的红衣人物肖像。在这幅画中，马蒂斯在人物面部的正中央画了一道绿色粗线；这条线成了全画的核心。不仅整个脸部的造型结构紧紧依附着这道绿线，而且，画中诸多要素都是靠这道线而得到统一和平衡。假如没有这道线，整个画面似将松散不整；正是靠着这条绿线，那黑色的双眼和双眉才不至于显得过分强烈，而那黑色的头发和绿色的衣领才得以衔接起来，脸才得以被妥善地“放在”了头发与衣服之间。这道绿线，还将头像与绿色的背景联系起来，使头部不会因为其一道道的红色和橙色块面，与绿色背景拉开距离，而破坏画面的平面感。为了强化这种平面感，画家有意地把画面左侧的背景画成橙色，从而将其拉到画面的前面，使我们觉得在背景与头像之间并没有距离

25、。画中红绿两色的强烈对比，产生耀眼的闪烁效果，使画面充满了纯绘画性的魅力。画一个沉静的头像，会生出这样丰富的视觉效果，而这种效果竟是靠着精心地经营不同的色面而取得，这不得不让人惊叹马蒂斯驾驭色彩与笔触的超凡本领。,野兽主义运动中最核心的人物是马蒂斯(Henri Matisse，18691954)他与毕加索一起被视为20世纪法国画坛上的两位最重要的艺术家马蒂斯出生于皮卡地的小镇勒卡多。他那做商人的父亲本来期望儿子将来当律师，因而马蒂斯在念完高中后，便进入巴黎的一所法律学校学习。后来他回到故乡，在一个律师事务所充当书记员。假如没有1890（21岁）年那次患阑尾炎住院的经历，他也许怎么也不会想到要去

26、当一名画家；他的母亲为了让他在手术后康复阶段的病床上消磨时光，给他带去了颜料、画笔和一本自学绘画的手册。没想到这些东西竟然让马蒂斯从此象着了魔似地对绘画痴迷起来。出院后他便开始在昆廷德拉图尔学校素描班上夜校，后来，总算得到其父亲的允许到巴黎学画。他先是人朱利安学院，随古典派画家布格罗学习。1892年，他报考巴黎美术学院，落第后被著名象征派画家莫罗看中，收入自己的画室。莫罗当之无愧地是第一位现代艺术教育家。马蒂斯一生都忘不了这位恩师的教导，多少年后，只要一提到莫罗的名字，他的眼睛就会湿润。1898年，他首次在全国协会沙龙展出作品并获得成功。他的早期绘画曾受到毕沙罗、西涅克、塞尚、高更等人的影响。

27、在经过了几种风格的尝试之后，他于1905年（36岁）前后最终确立了自己的绘画风格。他通过主观的色彩而不是光和影来描绘物象。,马蒂斯的作画方法,他作画，偏爱用平涂的画法。他把绘画视为平面的装饰，而有意减弱画面的深度感和物象的体积感。他根据感情的需要，将高纯度的平面色块在画中组合，使其形成冲突对比或平衡和谐的关系，产生音乐般的节奏。他的画的特点：造型极其简炼，线条弯曲起伏，笔法轻松流畅，散发着儿童般的天真稚趣，萌发着生命的朝气。他的画，往往传达着某种欢快的情感，给人以视觉的享受。,生活的欢乐，马蒂斯作，19051906年，油画，174x238厘米，美国宾夕法尼亚州梅里恩巴恩斯基金会藏。,生活的欢乐

28、也许是马蒂斯漫长的艺术生涯中最重要的作品。这幅画，比他的其他作品更为清楚地体现出野兽派绘画的特质。画中平涂的色彩、弯曲起伏的线条以及那些富于原始稚趣的人体造型，显示出高更的影响。甚至连画中的主题人在大自然中的生活状态，也让人联想到高更在塔希提岛所向往的那种理想生活。其实，这幅画直接源于马蒂斯1905年夏季在西班牙边界附近的柯里欧尔渔村的生活，它同时也与多少世纪以来一直在欧洲人头脑中萦绕的，摆脱尘世丑恶与烦恼的神秘乐园阿尔卡迪亚乐土的古老梦想，有着极为密切的联系。这幅画充满着抒情性，反映了马蒂斯绘画的表现主义倾向。马蒂斯曾说：“我所追求的，最重要的就是表现”。而对所谓的表现，他解释道：“表现，在

29、我看来，并不是由人的面部表情，也不是通过一个强烈的动态所反映的激情所组成。我的画面的整个安排是富有表现力的。人物或物象所占有的地位。他们四周的空白，比例，都起着作用。所谓构图就是把画家要用来表现其情感的各种因素，以富有装饰意义的手法加以安排的艺术。”(赫伯特里德著现代绘画简史上海人民美术出版社，1979年，第25页)。在这里，马蒂斯其实是要通过色彩、线条、形体来组织一个传达着某种欢快情感的画面。对他来说，那些绘画性的要素给他带来无穷的快意，他要将那种令人喜悦的清新感通过他的画传达给观众。,红色中的和谐，马蒂斯作，19081909年，油画，180 x246厘米；圣彼得堡艾尔米塔什博物馆藏。,红色

30、中的和谐是马蒂斯成熟期的代表作。画中描绘了一个室内的场景，其中有精心布置的桌子、衣着整洁的女佣、鲜艳的桌布和墙纸、两把椅子和一扇窗户；通过窗户，画家还描绘了一片室外的自然景色绿色的草地、黄色的花朵、几棵树和一所房子。然而马蒂斯并没有将这些物象，画得与它们在自然中实际的模样相符合。为什么要相符合呢?“这是一幅画。”在这里，画家以一块高纯度的红色平面，限定了整个房间内的空间。他把室内三度空间的物象，全都描绘在这块二度空间的红色平面上。他把蓝色的纹样分布在桌布和墙面上，从而在这红色平面上清楚地将那水平的面和垂直的面区分开来。值得注意的是，他在形态的表现上采取一种图形类比的方法。我们在画上看见，窗外的

31、屋顶，与那把椅子形状相类似；花园里树木弯曲的枝丫，与桌面和墙壁上鹿角形花纹相呼应；而桌布上的花梗与女佣的头发，则用的是同一种简略的线条。如果说塞尚是将装饰纹样的布当作静物的背景来画，那么，马蒂斯在这里则是将整个画面的物象，都当成了装饰纹样来处理。他曾说：“色彩从来不是数量的问题，而是选择的问题色彩的泛滥造成了色的无力。然而色彩只有经过精心安排，只有符合艺术家的强烈情感，才能得到充分的体现。”,四、心灵之火的闪烁表现主义绘画,表现主义(Exprisseonism)一词，是德国艺术评论家威廉沃林格(Willem Worringer)在其发表于1911年8月号狂飚杂志的一篇文章中首次采用的；他把这个

32、词，与塞尚、凡高和马蒂斯等人的艺术联系在一起。1912年在狂飚美术馆举行的“青骑士”画展，再次被冠以这个名词。从此，该词便成为德国艺术中诸多偏于情感抒发的倾向的名称。从广义上说，表现主义可用于所有强调以色彩及形式要素进行“自我表现”的画家，但其特指的含义，则是基于二十世纪初叶德国的三大艺术运动，即“桥社”(Die Brucke)、“青骑士派”(Der Blaue Reiter)和“新客观派”(Die Neue Sachlichkeit)。,桥社,桥社1905年成立于德累斯顿，1913年解体。其成员有基希纳、黑克尔、施密特一罗特卢夫、布莱尔、佩希斯泰因和诺尔德等。“桥社”一词是由施密特一罗特卢夫

33、从尼采的名著查拉斯图拉斯如是说中引用而来。作为一个旨在开辟艺术与生活新途径的艺术社团的名称，其含义是，“联结一切革命和活跃的成分，通向未来。”1905年，桥社发表宣言称：“凡觉得必须表现内心的信念，并是自发而真正诚意的表现者，都是我们中的一员。”1907年，桥社致函诺尔德说：“桥社宗旨之一一一如它的名称所意指的是容纳现在孕育中的一切革命因素。”,对桥社艺术家影响最大的，是挪威画家蒙克那充满强烈悲剧情感的画作。桥社画家对于社会问题极为关注，其作品强烈地反映了当代生活极端平淡及令人不安与绝望的一面，体现出“北方艺术的焦虑”。“该派画家均具有病态的敏感与不安，被宗教的、性的、政治和精神的烦扰所折磨。

34、”(雷蒙、柯尼亚等合著，徐庆平等译：现代绘画辞典，人民美术出版社，第46页)。虽然桥派画家曾受到法国野兽派画家的影响，然而其作品风格却显然与野兽派画风迥异。野兽派即使是最狂放的作品，也总是保持构图的和谐、色彩的装饰性与抒情性，而桥派画家则早把这一切抛到九霄云外。在他们作品中，扭曲的造型与浓烈的色彩，体现了某种朦胧的创造冲动以及对既有绘画秩序的反感。基希纳曾在1913年写道：“我们相信，所有的色彩皆直接或间接地重现纯粹的创造冲动。”因而，桥派绘画往往呈现出一种粗犷及狂风骤雨般的气势，这是较古典的法国气质所没有的。,青骑士社,青骑士社，得名于康定斯基1903年所作的一幅画的标题，1911年从慕尼黑

35、新艺术家协会分离出来。其成员有俄国人康定斯基、雅夫伦斯基、德国人马尔克、麦克、闵特尔以及瑞士人克利等。青骑士社画家总的来说并不关注于对当代生活困境的表现，他们所关注的是表现自然现象背后的精神世界，以及艺术的形式问题。在宣告该派成立的画展目录上，写着下面这句代表该派宗旨的简单声明：“我们要确认一种固定的形式；目的是在再现的形式的多变中表明艺术家如何以各种各样的方法表现其内在的灵感。”奥古斯特麦克也这样写道：“艺术的目的不是科学地仿造和检查自然形态中的有机因素，而是通过恰如其分的象征创造一种缩略的形式。”(世界艺术百科全书I，上海人民美术出版社，第73页)。,新客观派,新客观派出现于1923年。严

36、格说来，它不是一个画派的名称，而是一个展览会的名称。该名称是由德国曼汗艺术馆馆长哈特劳伯(C、F、Hartlaub)提出；他在1923年所策划组织的那个新现实主义画展，便被冠以“新客观派，表现主义以来的德国绘画”的标题。参加展览的这批画家主要有格罗斯、迪克斯和贝克曼等。这是一群不满于现实的艺术家。他们大多出生于1890年前后，青年时代正逢第一次世界大战和战后德国的政治动荡时期，因此，他们不象其表现主义前辈那样只关心形式与精神的问题，而是热衷于用艺术表现他们所处的现实，揭示社会的腐朽和阴暗。佩希斯泰因以下一段陈述，清楚表达了新客观派画家的思想：“我们画家和诗人必须在神圣的团结中与穷苦大众保持密切

37、联系。我们许多人懂得饥饿的痛苦和羞辱。我们觉得在一个无产阶级社会中更加安心。我们不想依靠资产阶段收藏家的怪念头我们必须是真正的社会主义者，必须激起最高尚的社会主义美德四海之内皆兄弟。”(世界艺术百科全书选译，上海人民美术出版社，第74页)新客观派画家曾受桥社和青骑士社画家影响。不过，他们并不极端地分解和歪曲客观现实，而往往关注于对细节的真实描绘，同时，他们也把抽象的绘画语言，运用于对客观现实的真实揭示之中。,呐喊，蒙克作，1893年，布面油画，908X737厘米，奥斯陆国家画廓藏。,挪威画家爱德华蒙克(Edvard Munch，18631944)，堪称二十世纪表现主义艺术的先驱。在这幅画上，蒙

38、克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富于表现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的：浓重的血红色悬浮在地平线上方，给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突；这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色，重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部，则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线，与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受，把凄惨的尖叫变成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法，或许可以与凡高的名作星夜中力与能量的图像化表现相联系。蒙克在这里，将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑，转化为一种令人信服的抽象意象。如此，他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。,