高中美术选修课校本教材《古代中国画赏析》 .doc

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1、一中美术选修课校本教材： 古代中国画赏析 一中美术组编 前 言 众所周知，艺术教育是学校实施美育的重要途径，是素质教育不可或缺的重要内容，是校园文化建设的有效载体，对中学生提高审美修养、丰富精神世界、培养创新意识，促进全面发展具有独特而重要的作用。艺术教育可以促进一个人的政治素养，可以让人形成良好的个性，艺术教育可以激发学生提高他们的思想品德。教育部已经决定，要开展创建中华优秀文化艺术传承学校活动，加强中华民族优秀文化传统教育，学校要开好艺术课程，面向全体学生开展艺术教育活动。悠悠华夏，文明绵长永续，给我们留下了博大精深的文化宝藏中国绘画。大美嘉图，是滋润我们心灵的甘泉和雨露，浸润我们的生命，

2、使我们的人生更充实、更丰富、更完美。美术教研组以本次校本艺术教材的编写、成印为契机，在今后的美术教育实践过程中不断总结完善，本着尊重需求、尊重差异、尊重发展的原则，逐步建构融个性化和多样化、综合性和系统性于一体的多元化课程体系，形成富有一中特色的校本艺术课程文化，以全面提升我校艺术教育的质量。目 录第一讲、顾恺之4第二讲、吴道之56第三、四讲、张萱、周昉67第五讲、韩滉78第六讲、王维8第七、八讲、荆浩、关仝810第九、十讲、董源、巨然10第十一讲、顾闳中1012第十二讲、黄筌1213第十三讲、范宽13第十四讲、马远1314第十五讲、张择端1415第十六讲、梁楷15第十七讲、赵孟頫1516第十

3、八讲、吴镇、黄公望、倪瓒、王蒙1619第十九讲、沈周、文徵明1920第二十讲、唐寅2021第二十一讲、徐渭2122第二十二讲、仇英、陈洪绶2223第二十三讲、八大、石涛2325第二十四讲、任伯年25第二十五讲、齐白石2526第二十六讲、优秀传统艺术的传承与创新2627第 一 讲 春蚕吐丝顾恺之是我们认识的第一个中国画家。为什么会有这种情形呢？难道在顾恺之以前，中国没有画家吗？当然不是的。只要有作品，就有画家存在。只是古代的画家，在陶罐上、墙壁上画画。他们画得很好，也画得很快乐，可是他们并没有把名字流传下来。有人认为，这是因为当时的社会不重视画画的人，所以他们的名字都失传了。也许，画画的人只要自

4、己画得快乐就够了，并不在乎名字是否流传罢！总之，一直要到顾恺之，我们才有了有名字的画家，也留下了他们的作品，和很多关于他们的故事。也许因为书读得多的关系罢，顾恺之的画就和别人不一样。他能够把一个旧的题材重新构图，用新的方法表现，他也能够根据当时人的文章，创造新的绘画。顾恺之大概是中国绘画史上最受推崇的画家之一。顾恺之留下的作品中，最受重视的一件是女史箴图卷。 “女史”指的是在宫廷里的妇女，“箴”是规劝的格言。“女史箴”原来是西晋时代，一个叫张华的文人写的文章，用来给宫廷里的妇女阅读，使她们知道什么是妇女们应该遵守的道德。顾恺之看了张华的文章之后，就把文章中描写的内容，一段一段画成了画，一共有十

5、二段。有一段是描写汉朝的女官冯婕妤。她陪同汉元帝到花园中玩，不料一只黑熊跑出了兽槛。在惊险的时候，冯婕妤很勇敢地挡住黑熊，保护了汉元帝。有一段描绘一个人在镜子前梳妆。文字却说：人们大都只知道修饰外表，却不知道美化内在的德性。“女史箴”是提倡道德的一卷绘画。我们仔细看一下，可以发现，画中的线条的确像“春蚕吐丝”一样，在空中循环婉转，非常均匀而优美。顾恺之画的女性，身材非常修长，裙子的下摆比较宽，使每一个人物的造型都很稳定。这些画里的人，和我们在前面的壁画中见到的人物不一样。女史箴中的人物大都是宫廷贵族，衣服都很宽大华丽，身上有许多装饰用的飘带，给人一种高贵端庄的感觉。 顾恺之另外一张以文章为依据

6、的作品，就是洛神赋图。“洛神赋”原来是曹操的儿子曹植的一篇文章，描写他在洛水河边，看到美丽女神的景象。“洛神赋”写得非常美，把人们幻想中的女神，用文字形容得十分令人向往。顾恺之就以这篇中国的文字名著为依据，用绘画来表现了。慢慢展开这张画，可以看到曹植和他的侍从站在洛水岸边，远处河面上的女神正凌波而来。女神驾着六龙拉动的车子，四周有旗帜飘扬。最后是曹植乘坐华丽的大船，在洛水上寻找洛神。这篇有名的文学名著，由顾恺之用具体而形象化的方法画了出来，使文学上的想像，转变成美术绘画上的形象。顾恺之启发我们：当我们阅读一首诗或一篇文学作品之后，也可以把文字中的感受用绘画表达出来。顾恺之好像对画女性的角色特别

7、有兴趣，“女史箴”和“列女传”都是以女性的美为主题，不仅希望描绘女性外在形体的美、表情上的美，更希望能借此传达出女性内在品德上的美。因此，他的绘画可以说是以有教养的女性为题材的。古代的中国人常常用绘画来歌颂有道德，有功勋的人。他们相信：为这些有品德的圣贤，有功业的帝王、将军画像，可以借着这些人像，影响一般的人，使一般的人看了这些图画，不知不觉地效法圣贤的行为，成为对社会有贡献的人。顾恺之生存的时代，恰好就是这种观念流行的时代。所以，他的女史箴图、列女传图，都是有教育意义的。你相信常常看一个伟人的画像，也会影响你的行为吗？在生活中，有没有你特别佩服的人？：中国人把自己佩服的人称为“偶像”。你愿意

8、为你的“偶像”画一张像吗？或者，你愿意用顾恺之的方法，把一篇你喜欢的故事改画成绘画吗？第 二 讲 吴带当风人们说吴道子的出现，是中国人物画史上光辉的一页。吴道子，生活于盛唐时期，约生于7世纪90年代，卒于785年以后，是古代最富盛名的画家之一，被誉为“画圣”。曾学习著名书法家张旭，贺知章的草书，后改学画。吴道子原本是唐玄宗时代，一个替寺庙画壁画的画工。他在长安、洛阳所画的壁画，一共有三百多幅。吴道子因为画得好，名声传进了宫廷，就被皇帝召进宫，让他做了官，要他替宫廷画一些历史画。吴道子因为原本是民间画家，所以表现的技法比较自由，不像宫廷画家那么小心翼翼。他在寺庙墙壁上画的，多半是有教育意义的宗教

9、画。画中人物都用线条勾勒，线条非常生动有力。在很大的壁画上，几尺长的线条，好像被风吹动，在空中飞扬一般。所以，一般人称吴道子画的线条是“吴带当风”。“吴带当风”和“春蚕吐丝”的差别在哪里呢？“春蚕吐丝”表现比较均匀、缓慢的节奏；可是，“吴带当风”似乎具有狂风暴雨的速度，气势很大。吴道子的送子天王图，现在看到的摹本，但是，也可以看到画面上都是飞动的线条。每一根线条都有几次转折变化，的确像被风翻动的衣带。其实，在敦煌壁画中，我们也可以看到具有吴道子风格的作品。例如，一三窟的“维摩居士”，完全用白描线条勾画。一层一层的衣纹，全是流畅的线条。这都是“吴带当风”的影响罢。第 三、四讲 丰满唐风胖美女在唐

10、代最盛行。这个时期的人们认为妇女以胖为美，越胖越美。仕女画中的美女个个都有肥硕丰满而健康的体形。张萱，盛唐画家，曾为画直，实即宫廷画家。擅长人物画，尤工仕女题材，常以宫廷游宴为题作画，题材有贵公子，鞍马，宫苑等。张萱的有另一件名作捣练图。现在保存在美国波士顿博物馆的一卷，就是宋代大画家宋徽宗赵佶的临本。 捣练图是描写宫廷妇女整理丝布的情形。卷首的部分是四个妇女，手中拿着木杵，正在一个大槽中捣丝。她们的服装非常华丽，衣裙上都用金线勾描出很细致的花纹。头发梳成高髻，插着很多镶了珠宝的饰物。中段是两个妇女对坐，正在缫丝或缝纫。旁边有一个女仆，用扇子煽火炉。炉中有燃烧的木炭，火势很旺。由炉火带出了第三

11、段的画面：两个妇女拉着一匹线布；中央一个妇女，手上拿着熨斗，熨斗中装了烧红的炭，正在利用熨斗的热，熨平丝布。旁边有一个侍仆背对画面。另有一个无事可做的小孩子，在丝布上钻来钻去。这幅捣练图，表达了唐代宫廷仕女的家庭生活。十几个人物，分成三段，活泼地传达了工作的程序，也描绘了唐代宫廷仕女的服装，颜色雅致，图样精细。像捣练图这样的宫廷仕女图，用的颜料非常讲究，多半是用矿石磨成粉做成的。这种颜料，经过了一千年，色泽还是非常艳丽，并不褪色。张萱之后，唐代另一位画仕女图出名的画家是周昉。周昉的年代要比张萱晚一些。经过了安史之乱，唐朝已由初唐、盛唐、转入中唐，国势也衰微了。周昉有名的簪花仕女图，描写的是宫廷

12、妇女悠闲的生活。图画开始一段，画的是两名妇女相对而立。其中一名，手中拿着指尘，正在逗弄一只小狗。她们的头发梳得很高，这是唐朝流行的发式。头发上还戴了一朵很大的花。她们的衣服是很薄的丝绸，半透明的外衣下，还可以看见底下衣裙的花纹。这都表现了唐代画家高超的技巧。第二段是一个衣着华丽的妇人在庭园中间逛，手中拈着一朵红花。她的前面有一只鹤，后面跟着一名手持纨扇的宫女。最后一段是两名妇女和一只小狗，走到花朵盛开的庭园中游玩。另外还有一名妇女，手中拈着一只蝴蝶。这一幅簪花仕女图是最典型的唐代宫廷仕女绘画。这幅画，色彩十分艳丽，画面中充满宫廷的宝贵和悠闲气氛。许多人觉得这张画中的仕女很像电影中看到的日本女人

13、。其实，那是日本受到唐朝仕女服装和化妆术的影响，后来一直保留下来的缘故。改变的，反倒是中国妇女自己了。例如画中妇女的眉毛，画法很特别，叫做“蛾眉”。这种化妆的方法，直到今天，仍然深深地影响了日本女性。这一类宫廷仕女图，在唐代形成一种绘画风尚，自然也影响到了民间。我们在敦煌发现的帛画上，也看到一些仕女画，风格技法和周昉簪花仕女图中所画的仕女，非常相似。第 五 讲 韩滉爱牛唐代有很多画马的画家，画牛的画家却不多。韩滉画的五牛图是其中有名的一幅。画马和画牛很不一样。马的个性刚烈，速度很快，反应也比较灵敏，所以画马的画家，多半喜欢捕捉马的矫健特性，表现马的奔跑或嘶叫。可是牛的个性，几乎和马完全相反。牛

14、的行动迟缓，有勤劳、忍耐和顺从的天性，反应也比较慢。在韩滉的五牛图中，第一头牛是大黄牛，从右向左行进。它身驱庞大，步伐缓慢，脸上露出温和可爱的表情。第二头牛身上有黑白斑。它昂首向前行进。第三头牛最有趣，牛头意外地转向画面，像是要和我们打招呼一样。正面的动物很难画。韩滉把牛的臀部画得比较高，表示出身体的长度。你如果要画一只正面的猫，你会怎么画呢？再说第四头牛。它虽然继续向前行进，却回过头来，并且还伸出红色的舌头，表情很好玩。它脖子下的皮很多，一层一层的，都被韩滉画了出来。第五头牛是最后一头。它有点不高兴的样子。有人说，它是因为被人类装上了鼻环和笼头，行动受人控制，不再是一头自由自在的牛，所以表示

15、出不高兴的样子。你可以比较一下：韩滉的五牛图所用的线条比较粗，这种粗重的线条，使画面产生一种缓慢的感觉，像牛；再看韩滉的照夜白，线条速度比较快，很能表现马的灵活矫健。如果你要画家里养的猫，你会用哪一种线条呢？第 六 讲 诗与画“诗是无形的画，画是有形的诗”，大诗人变成了大画家。你听过唐朝有一个大诗人叫王维吗？他的诗非常有名，一直到现在还被人传诵。可是，他不只是诗有名；他的画，在中国绘画史上，也有很大的影响力呢！王维（701761），字摩诘，著名诗人。晚年隐居蓝田辋川别墅，以琴诗绘画自娱。苏轼评价他的作品称“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”王维以诗入画，创造出简淡抒情的意境。特别是

16、他首先采用“破墨”山水的技法，大大发展了山水画的笔墨意境，对山水画的变革做出了很大的贡献。王维是一个文人，读过很多书、诗和文章，文笔非常好。他做过官，可是后来不喜欢政治，不喜欢宫廷的生活，就到山里去隐居，过很淡泊自在的日子。王维画过伏生授经图，描写一个中国古代用功读书的老先生，不断努力把古人的学问、知识传授给后人。画面上一个骨瘦如柴的老人，盘膝坐在蒲团上，靠着几案，右手拿着一卷书，左手正在指点，好像老师对学生讲书。案上有笔、砚等文具，地上还有一大卷书。老先生那么老，看起来又瘦又丑，也没有华丽的衣服。可是，王维觉得，画画并不是要炫耀美丽的色彩，也不是一定要去画帝王的尊贵和宫廷仕女的艳丽。他觉得，

17、一个努力读书的人，一个努力教书的老师，也可以是很多的绘画题材。你也可以试试看，在不同年龄，不同身分，不同职业的人身上，发现他们独特的美。一般来说，王维是中国“文人画”的鼻祖。“文人画”就是读书人画的画。这种画，不用太多颜色，不像宫廷画那么艳丽。他们用的主要是墨，所以画面看起来很淡雅。苏东坡说王维“画中有诗，诗中有画”。也就是说：因为王维本身是诗人，读过很多书，所以他的画中富有诗意，境界很高。王维晚年隐居在陕西蓝田的辋川，写了很多歌咏山水的诗。“行到水穷处，坐看云起时”，这两句诗，就仿佛一张画。他的山水画影响也很大：用淡墨画山水，使得以后一千年间，画山间多用水墨，而不用青绿了。第七、八讲 峻险山

18、水画意浓传说是五代一个叫荆浩的画家的匡庐图，就是这种大山垂直陡立的代表。荆浩，字浩然，河南沁阳人，是一位博通经史的士大夫。唐末社会动乱，他隐居于太行山中，自号洪谷子。他长期接触北方雄伟的自然山川，有着较深的认识和感受，笔下的山水大都是崇山峻岭，气势宏伟而壮观。大山，大水，巍峨，高远，楼阁掩映，飞瀑流泉，在五代画家荆浩的传世名作匡庐图（如右图）前，无法不让人惊讶于描绘的精到和磅礴的气势，图中虽表现江南庐山，却没有江南山川的柔媚之气，而是以雄奇的笔力描绘出了北方山水的神韵。披图幽对，只见雕梁画阁，精彩飞扬；大山阔水，气度泱泱，山峰重峦叠嶂，壁立千仞，水泊苍苍茫茫，深远辽阔，是典型的“全景山水”样式

19、。这种大气又不失精微的画面效果，一方面是因为画家具有“忘笔墨而有真景”的胸襟，另一方面是画家通过“远取其势、近取其质”的表现方法来得到的。画家巧妙的安排下：画，上留天，下留地，近处写水、舟船、行人，山脚画楼阁，山中作古寺，册顶多置松树、密林，向上画幅的中间，危峰重叠，以湍急的飞瀑反衬山峰的高大险峻。以大面积的描绘取其气势。右面山中、水边各有一条山中小道，曲折蜿蜒深入峰后，逐渐将景致推向远方，峰入云中，水与天接。山为主体，水为映衬，一边密集，一边空疏，层次分明。山石圆中带方，以刮铁皴法画出，局部刻画强调了山石的质感。 荆浩因为逃避战争，所以就隐居在山西的太行山里。他画画非常用功，常常带了纸笔，在

20、山里写生，一次一次地观察，把山的各种神貌都捕捉到，回家以后，再依着写生的画稿来创作。我们可以看出来，五代以后，山水画已经和唐代的青绿山水很不一样了。唐代的山水画多半用线条勾勒，勾出山的轮廊。可是五代的山水画，岩石的部分，除了轮廊以外，还有用毛笔慢慢擦出的一些阴影，使岩石看起来的有粗糙的表面纹理。这种画法，使山石看起来更厚重，更有体积的感觉。这种用比较干的毛笔，在岩石上做出的纹理，就叫做“皴”。“皴”是皱纹的意思。后来中国画山水的画家，都用到“皴”。荆浩有一个学生叫关仝，住在陕西一带，他刻苦认真地揣摩专研荆浩的艺术，终于青出于蓝。他多描绘关陕一带山水，写景绘形更为概括提炼，笔简气壮，景少意长，予

21、人以深刻印象。关仝善画秋山，寒林，村居，野渡等景。使人看后身临其境，有着很强的艺术感染力。宋人认为他的山水画具有“石体坚凝，杂木丰茂，台阁古雅，人物幽闲”的特色，被称为“关家山水”。他也画高峻的山脉。北方比较寒冷，所以他画的树木，也大多是枯树，很少画树叶。 中国绘画史上，一直到唐末五代，都是人物画居于首位的，自荆浩之后，真正把山水画推向了中国画的首位并使之成为中国画的主干。所以，荆浩的山水画是前无古人的，他开创了北方山水画派，他的山水画也标志着中国山水画的成熟。第九、十讲 南国山水情我们刚才提到，山水风景会影响到画家的风格。在北方的荆浩和关仝，都以画高峻的大山出名，岩石也比较方正坚硬。可是南方

22、的画家就很不一样。江南河流很多，地势也比较平缓；气候温暖，草木也很茂盛。因此，五代时的南方画家，像董源，画出来的山，多半是圆圆的土坡，很少陡直的感觉，也没有坚硬的石块。土壤肥厚，树木茂密，水气氤氲，就是南方董源绘画的特色了。董源，字叔达，钟陵（今江苏南京）人。在南唐任北苑副使，能作山水，人物，龙水，但尤以画山水著称。他生于山明水秀的南方，“多写江南真山，不为奇峭之笔”。他的潇湘图，画的土山就是标准的江南风景。画面有很多水平的沙洲，沙洲上有芦苇。江面宽阔，有船只来往，岸上还有人送行。董源为了要表现平缓的土坡，所以常用向两边斜披的皴法，被称为“披麻皴”。董源的学生巨然，是一个和尚，他也用“披麻皴”

23、画画。他的秋山问道图（如右图），画的虽然是直立的大山，但是仍然由土坡构成，而每一个土坡里的纹理都是用“披麻皴”。这一段时间，北方的荆浩、关仝，南方的董源、巨然，都开创了中国山水水墨画的技法，成为后来很多画家的学习对象。因此，有人就把这四个人的姓连起来，称为“荆、关、董、巨”，表示五代山水的重要。我们发现，那个时期，山水画大概也都还画人物，只是画得很小，不容易发现而已。 后来，中国的画家越来越觉得大自然太伟大了，人真是很渺小。因此，在山水画里，人物的比例也越来越小。到了元朝，山水画里甚至连人都不画了呢！第 十 一 讲 生活既真实顾闳中，江南人，五代时南唐画院待诏。他绘制的韩熙载夜宴图，构图严谨精

24、妙，人物造型透逸生动，线条遒劲流畅，色彩明丽典雅，在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物的风貌。五代十国（公元907960年），在中国历史上是一个动荡、分裂的年代，而在绘画艺术上却是一个承前启后的重要时期。对意境的追求和对情趣的探索，使山水画与花鸟画得到新的发展，预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。五代人物画也更为精进，融汇了秦汉的纯朴豪放，魏晋的隽永含蓄，逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。然而人物画并未能摆脱“宣教化、助人伦”的世俗功能，要求生动地再现实的事件和人物，在客观上直接促进了写实技巧的发展。从古代人物画中，我们不仅可以了解一些历史事件，还可以通过那些或浓丽丰腴、或柔

25、淑温婉的生动形象了解那个时代的面貌和人们的精神境界。据宣和画谱记载，韩熙载夜宴图是顾闳中奉南唐后主李煜之命，夜至韩熙载的宅第窥其夜宴的情景而作的。画中的主要人物南唐中书舍人韩熙载，出身北方豪族，避难来到南唐，李后主欲命其为宰相，而韩熙载见国事日非，不愿担当此任，遂终日纵情声色，与宾客作长夜之饮，画中的其他人物也大多真有其人，如状元朗粲、和尚德明等，都是韩常的常客。画卷里，韩熙载虽放浪形骸，但始终双眉紧锁，难掩忧心忡忡。桌案都比较低矮，正是由席地而坐到垂足高坐的过渡时期，琵琶箫鼓、秀墩床榻，室内的陈设器物无不体现了时代的特点。现实主义的题材要求画家深入地观察生活，捕捉生活细节，目识心记，悉心体会

26、，然后艺术地再现，把自然形态上升为艺术形态。画家对人物的刻画尤为深入，以形写神，显示出高超的艺术水平。五代人物画中肖像画的技巧前所未有地发展，顾闳中就是一位著名的肖像画家。古代称肖像画为“写真”，“真”就是指对象技巧，对创作人物画来说自然是得心应手。通过对不同对象的形体姿态、目光手势的相应描绘，画中人物有的弹奏舞蹈，有的按拍欣赏，情态生动。而对主人公刻意描绘，曲尽神形。韩熙载形体高大轩昂，长髯，戴高巾，从倚栏倾听，到挥锤击鼓，直到曲终人散，各个不同的场合始终眉峰双锁，若有所思，沉郁寡欢，与夜宴歌舞戏乐的场面形成鲜明对比，表现了韩熙载复杂的内心世界，刻画了人物特殊的个性，十分传神，由此深化了夜宴

27、图的内涵。无论是设色还是用笔，夜宴图的表现技法堪称精湛娴熟。古人善用矿物质颜料作画，历经岁月的磨砺依然璀璨夺目。夜宴图多处采用了绯红、朱吵、石青、石绿等色，对比强烈，而整个画卷统一在墨色丰富的层次变化中，色墨相映，神采动人。古人作画，专尚用笔，在准确地把握了对象的形体特征以后，用笔除了勾画出对象的外在轮廓之外，同时具有表达对象本质的要求，线是一个独立的艺术元素，在东方绘画中具有独特的审美意味。用笔的变化概括起来说是“轻重疾徐，偏正曲直”八个字，实践起来却是千变万化，全凭画家妙悟，自然灵变。夜宴图用笔挺拔劲秀，线条流转自如，铁线描与游丝描结合的圆笔长线中，时见方笔顿挫，颇有韵味。人物衣纹组合丰富

28、有变化，须发的勾画“毛根出肉，力健有余”，画尽意在，塑造了富有生命活力的艺术形象。第 十 二 讲 虫草也传情黄筌（？965年），字要叔，成都人。曾随唐末入蜀的著名画家刁光胤学画。他擅长花竹翎毛，亦能画佛道、人物、山水，是一位技艺全面的画家。17岁他即为宫廷画家，历经王氏、孟氏两朝，主持画院直至宋灭西蜀为止，历时四十余年，受到统治者的欣赏。西蜀宫殿壁屏风大都出于黄筌父子之手，他们的画卷还被作为与其他政权间交聘的礼物。黄筌继承唐代花鸟画传统，所画多为宫廷中的奇禽名花，以极细的线条勾勒配以柔丽的赋色，线色相溶，几不见勾勒墨迹，情态生动逼真。五代以后，一方面，有画家去画非常高大雄伟的山水画；另一方面，

29、也有画家去画非常细致的花鸟、草虫。你想想看，一幅大山水画，里面有巨大的山脉、河流，有大树、房屋和人物，真是复杂得不得了。可是，如果你很专心地去看一只小鸟，看它的喙，它小小的眼睛，它身上色彩艳丽的羽毛，它有脚爪，会发现那也是一个复杂的世界呢！山水画很大，好像要把宇宙世界都画进去。花鸟草虫的画很小，却也同样画出大自然的复杂性。黄筌留下一张写生的画稿。画中有各种鸟，有停止的鸟，有飞翔的，有低头吃东西的鸟，姿态都不一样。他也画了各种乌龟，画了天牛、蝗虫、蝉、蜜蜂、果蝇等。这些昆虫那么小，我们从来就不曾注意，黄筌却很认真地观察它们。黄筌的这幅写生画稿，看起来像是科学家的生物研究报告，有一种科学的精神在里

30、面。我们如果是住在城市里，看大山大河的机会比较少，不妨用黄筌的办法，在家中养一些小动物，拿它们做写生的对象。它们也会使你觉得：即使在一个小小的昆虫身上，也有很多的东西好观察的！黄筌的花鸟草虫画，在宋朝非常流行，也变成中国绘画中很重要的一种题材。第 十 三 讲 与山传神范宽，字中立，华原（今陕西耀县）人，活动于北宋早期，仁宗天圣年间（10231031）尚在，为人处世宽厚疏放。他画山水初学荆浩及李成已甚精妙，既而领悟到“前人之法，未尝不近取诸物，吾与其师于人者，未若师诸物也。吾与其师于物者，未若师诸心。”于是，范宽深入自然山川，长期居留于太华、终南诸山中，观察体验云烟惨淡、风月阴雨、不同气候下山水

31、的形态变化，终于创造出了与李成不同的壮美景观，又擅画雪景。他所画崇山峻岭，往往以顶天立地的章法突出雄伟壮观的气势，又用碎而坚实的笔墨皴出富有质感的山石，山麓画以丛生的密林，成功的刻画出北方关陕地区“山峦浑厚，势壮雄强”的特色，被誉为“得山之骨”，“与山传神”。他有一张有名的画叫溪山行旅图。这张画的正中央，有一座方方正正的大山站立着，看起来非常雄伟壮观。这座大山用细点的皴法来表现岩石的坚硬粗糙。山顶上密集着小树。大山右边有一道白色的瀑布，像一条细线，从高处垂直落下来。你见过瀑布吗？瀑布是一道泉水从高山悬崖上直落下来。因为速度很快，水到了下面已经飞散成细小的雾气。所以，这张画上，瀑布下方是一片茫茫

32、的水气，隔开了后面的大山和前面的山丘。前面的山丘是距离我们比较近的地方。山丘右上方有一些楼房的屋顶，四周被树木包围着。山丘下方是一条道路。我们可以看到右边有一队驴子，正驮着货物，由人驱赶着向前行走。这张画是中国山水画里最有名的杰作之一。画面很大，山势雄伟，使人看了，觉得有一种顶天立地、堂堂正正的样子。这虽然是一幅大画，可是在描写细致的人物、驴子、建筑物时，却又一点也不马虎。这就是宋人“格物”的精神罢。 第 十 四 讲 宋人马一角马远，字遥父，祖籍河中（今山西永济），南宋光宗、宁宗时为画院待诏。靖康之变马家南迁。马远艺术上克承家学而又超过了他的前辈，他继承并发展了李唐的画风，尤善于在章法上大胆取

33、舍剪裁，描绘山之一角水之一涯的局部，画面上留出大量空白以突出景观，表现空蒙的空间及浓郁的诗意。因为江南多河流，南宋的画家对河流的水波特别注意。你看，南宋的大画家马远，就用了十二幅画，描写水在不同地方、不同季节的波纹：有微风吹动的平缓水波，有阳光闪耀的湖水，有激流溅射起来的波流。这就是宋人的“格物”精神。他们不放弃对任何一个细节的观察。因此，我们认为完全一样的“水”，到了马远的笔下，竟然也千变万化了。马远用这样认真的研究精神，创作了许多珍贵的画。他的踏歌图（如左图），描写中国古代农村百姓一面踏步，一面唱歌的风俗。这张画后方背景部分的山峰，都非常陡峭，是用斧劈皴画出来的。我们很容易可以看出来，南宋

34、马远画的山，和北宋范宽的山很不一样。北宋的山巨大雄壮。南宋的山很秀气，画面上多了秀多的空白。马远画的树也很特别。他喜欢把树枝拖得很长，所以有人称他画的树枝为“马拖枝”。这种细长的拖枝，使树看起来好像在风中摇摆。把诗写在画上，叫做“题画诗”。这种“题画诗”是宋朝人的发明。中国人因此创作了世界上唯一把诗和画结合在一起的形式。从此以后，中国的画家，不但要会画画，也还要会作诗。要把诗题在画上，书法也要很好看。因此，“诗”、“书”、“画”三样都要练习，做画家越来越难了呢！第 十 五 讲 画中世俗张择端是山东东武人，曾攻读儒业，后学画，擅长画建筑车船风俗题材，一度在宫廷画院任职，后来又在社会上卖画。宋代描

35、写城市居民生活最有名的一张画，就是张择端的清明上河图（如左图）。清明上河图，绢本，墨笔淡着色，长527.8厘米，高25厘米。全卷以全景式构图，严谨精细的笔法，展现出北宋都城汴梁汴河沿岸及东角门里市区清明时节的风貌。清明是春天的清明节，上河是指宋代首都汴京（今天的开封城）。这幅画非常长。画卷从郊外开始：一些春天刚刚抽芽的老树，围绕着村落房屋，有一些人马在赶路。逐渐靠近河边，有大船在装货、卸货，在供旅游喝酒吃饭的酒馆。房屋也从郊外的草房，变成瓦片屋顶的房子，感觉上更近城市了。巨大的商船要穿越拱桥，桥上挤满了行人，桥的两边还有商贩，有挑担的商人，有驴马驮着大袋的货物然后城门出现。出入城门的，有许多牛

36、车，还有似乎是和塞外做生意的骆驼队伍。城门里有高大的楼房和许多商店。除此以外，还有各种摊贩摆在路边。这张清明上河图像电影一样，非常详细地记录了宋朝京城的生活，连每一家商店卖的不同货物，都可以分辨得出来。我们今天如果要把我们居住的城市，一点不遗漏地画出来，可能是一件非常困难的事罢。所以，每一个人看到张择端这卷清明上河图，都不禁肃然起敬。因为画中任何一个小部分，可能都要花很长一段时间去画。何况又是这样长的一卷画，画中有上千上百个人物，形容这幅画耗掉张择端一生的时间，也不算过分罢。第 十 六 讲 洒脱仙人梁楷宋朝人也画佛像、菩萨、罗汉，可是画起来是一般老百姓的样子了。南宋有一位叫梁楷的画家，画了一张

37、非常有趣的“仙人”（如右图）。这个仙人一点也不威严，倒像一个喝醉酒的人：大大的肚子，秃头，脸上一副糊涂样子，看起来很可爱。这个“仙人”是很随意地用墨泼在纸上画的，不用工整的线条，所以一般人就叫他“泼墨仙人”。这种画用笔不多，看起来很简单，其实并不容易。画家要有很准确的观察，才能够用很少几笔，呈现对象的神态。这种画在宋代以后慢慢流行起来，叫做“写意画”。梁楷为南宋宁宗嘉泰年间（12011204）的画院待诏，祖籍为东平人，好饮酒，绘画技艺高超，院中人无不效伏。皇帝曾赐予金带，但他挂于院中而去，他自号梁风子。是一个放任不羁的人物。他所画人物、山水、花鸟并精，既能作精妙严谨的图画，又擅绘洗练放逸的减笔

38、画，特别是后者技巧上有着重要创造，开启了元明清写意人物画的先河。第 十 七 讲 赵孟頫中国传统绘画，从诞生之始，就与传统书法结下了不解之缘。南齐谢赫在古画品录中提出绘画“六法”时曰：“二骨法用笔是也”，“骨法用笔”居于第二位，可见其重要。由于传统绘画和传统书法所使用的都是笔墨纸砚等工具，以及传统的审美，即对笔墨线条的偏爱所至，使得传统绘画与传统书法有着异曲同工之妙。关于书画之间的关系，最著名的是赵孟頫提出的“以书入画”说。赵孟頫云：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通，若也有人能会此，方知书画本来同。”第一次把书法的因素直接形象地移入绘画。他强调在绘画中从追求线条自身内在富于生命力的角度去把握它，

39、一反南宋时代那种追求感官刺激的作法。他在研北杂志中云：“唐之画，实描山水，盖刻画中有飞动之意，后人所难能也。”他强调用线条的自身力量去捕捉山水之神韵。这样赵氏为绘画中线条的解放寻求了一个好机会，使线条在绘画中不仅作为表达事物形体的语言，又有更深层地表现画家心绪的机会，从而画家的心绪能直接由那“一笔”而挥发出来。这无疑极大地开拓了绘画的表现性。画家们也可随心所欲的发泄呢。元代的画家，继承发扬了赵孟頫“以书入画”的主张，并把表意性的绘画推向了高峰。这种书法的线条，即笔墨在绘画中独立化的倾向，使得绘画在观念上发生了转变：从为物传神的再现性风格开始向借物传神的表现性风格转变。表现在画面上，使得作者在绘

40、画中情感的抒发更有了寄托，并走上一条“以少胜多”、“以小见大”、“以有限洞照无限”之路。它区别于南宋绘画中那种强调特定时空内的观念，使中国画的鉴赏趋于玄秘高难。第 十 八 讲 元四家 吴镇山水中的宁静吴镇（12801354），字中圭，号梅花道人，嘉兴人。工诗文，善草书，擅画山水竹石，家境贫寒。所以，吴镇的生活很穷苦。他起初是靠替人算命来维持生活的；后来因为书画有名，才逐渐有人来求画。他有一卷很有名的渔父图（如右图），用类似秃头的毛笔来画山，他画的山，有一种厚重的感觉。他又用秃头点来画山头的小树、石上的青苔。画面非常安静：有一两艘渔船靠岸停泊，渔人在船上抱膝睡觉。元朝的文人画家，像吴镇这样，大多

41、是远离城市的隐士。他们不喜欢政治，不喜欢太吵闹的城市。他们住在安静的山水里，看山上的白云，水中的游鱼，过着逍遥自在的生活。元代的文人画也就是要把这种心情传达给看画的人。在忙碌中生活的人，可以借着这些画，感觉到山水之美，重新得到心灵上的安静。 黄公望平凡中的伟大黄公望（12691354年），字子久，号大痴道人，江苏常熟人，中年为吏，后因事入狱，获释后活动于江浙富春、杭州、松江、苏州等地。为传真教道士，精通词曲，性格豪放。黄公望和吴镇一样，也在追求山水中的宁静。在大自然的山水中住久了的文人画家，看到的是春夏秋冬四季的变化，是日出日落，是花开花谢，是叶子落了又重新发芽的景象。这些自然界的循环，逐渐使

42、一个文人画家了解到，宇宙的一切变化是多么自然。因此，宋朝亡了以后，原来很悲哀、很愤怒的文人，因为在山水中住久了，就慢慢从悲哀中安静下来。他们发现山水可以启发人的智慧，无论人间发生什么惊天动地的变化，山水都还是默默无语。这种安静、平凡，就是元代文人画要追求的境界。黄公望用一生来追求安静、平凡。我们初看黄公望的画，觉得没有什么了不起，很平凡的样子。可是，慢慢看下去，我们会发现：“平凡”是一种智慧。有智慧的人都不炫耀自己，不夸张，不自大，好像自然中的山水一样。我们觉得山水伟大，山水却从来不发一言呢！黄公望最有名的一幅富春山居图，是花好几年的时间画成的。他在富春江一带住了很久，对这一带的山峰、河流、房

43、舍、树木都很熟悉，所以很容易就画出景物的特色。然后，他又把这一卷很长的画带在身边，随时加以修改。这种力求完美的态度，使这一卷看来平凡的画，变成了中国美术史上最伟大的作品之一。富春山居图（如左图）的用笔，比吴镇要流利得多，也更富变化。我们欣赏的时候，会觉得那些山峰有时靠近，有时推远，有时就在面前，有时又远在天边。这种长卷形式的绘画，是中国人独有的创造，它非常适合画河流两岸的风景。我们一路看下去，就好像坐在船上看风景，沿江两岸，都是黄公望画下的富春山景色。黄公望这卷，富春山居图，因为太有名了，后来就有不少人抢夺它，不少人伪造，更有人坚持死后要拿它烧来陪葬的。很幸运的是，几百年来，这张画现在还完好地

44、保存在台北的故宫博物院和浙江省博物馆，使我们可以看到黄公望“平凡”中的伟大作品。 倪瓒简易中的静谧元四大家的第三位是倪瓒。倪瓒（13011374）字元镇，号云林，无锡人。其家为江南富户，信奉全真教，筑有园林轩阁，储藏古器物及书画名迹，交纳江南文人，读书作画，生活优越安适。倪瓒是一个古怪的画家，传说中有许多关于他的趣事。例如，他非常爱干净，总是不断地洗澡、洗房子、洗家具，甚至连院子中的树也要洗。倪瓒不仅讨厌政治，讨厌城市的热闹，甚至连人都不喜欢。他的画中从事不画人。倪瓒的画，画面特别简单干净，常常只是一段山坡，一两株细细瘦瘦的树，一抹淡淡的远山。他习惯用很干的毛笔，在纸面上擦出淡淡的墨痕。后来很多人学倪瓒的画法，墨也用得很少。有人形容这样的画叫“惜墨如金”，意思是说珍惜墨好像珍惜黄金一样。倪瓒的画，给人一种寒冷寂静得多。元代的文人在山水里住久了，不食人间烟火，好像已经完全听不见城市人群吵闹的声音了。他们听见的只是风声和水声。 王蒙山水中的动感在绘画上，一种画风发展到极端，常常就会有另一种画风来制衡。倪瓒之后，另外一位画家王蒙，就完全不同了。王蒙（？1385年）字叔明，湖州人，王蒙是赵孟頫的外甥，因此在绘画上也受到赵孟頫的影响。他的画，很不同于元代