阿卡贝拉音准训练与视唱练耳教学应用.docx

阿卡贝拉，意大利语是ACaPPe11a,中文是无伴奏合唱。近年来，经过改编的阿卡贝拉作品以其独特的演唱方式,与现代审美需求相契合,越来越受到青年人的喜爱。高校中的阿卡贝拉乐团也如雨后春笋，相继诞生。笔者在纯人声阿卡贝拉团队“七磁”排练的过程中,常常牵扯到各种变化音,大小度数的变化,使之出现声部间不和,没有团队合作性的问题,故提出解决阿卡贝拉排练时的音准问题。一、阿卡贝拉音准的定义和地位（一）阿卡贝拉的音准音准的训练都是最基本的训练,也是最难的训练。阿卡贝拉无伴奏合唱的演唱主要依靠音准来烘托它的优美性和旋律线条的动听感。阿卡贝拉的音准主要包括两个部分:和声音准和旋律音准,这两个部分的音准缺一不可,必须同时存在。只有单个音准确,才能决定乐曲的旋律音准。可见在阿卡贝拉的排练及演唱中，音准非常重要,它需要我们长时间的听辨、熟记。从某一方面来说,音准更像是一种感觉,一种抽象概念,无法通过体验感受到,富有抽象性,所以摸不到、看不到的音准必须通过听觉器官一遍遍的感受,认知,训练才能准确掌握。（二）阿卡贝拉音准的地位音准是音乐艺术的生命线,一切乐音都是建立在一定音图基础上的音群。音准在音乐中有着不可或缺的作用，一首好的作品,没有音准就不存在观赏性。同样,一个团队中没有音准就不能谈到团队合作。它就像一个阶梯，连接各个声部,在阿卡贝拉排练的过程中,每个队员都要牢牢把握音准,有良好的音高概念,才能演唱出优美、动听亦或是有动感的旋律。二、影响阿卡贝拉音准的主要因素（一）节奏和速度在一首阿卡贝拉作品中，节奏越繁琐，变化越频繁,音准就越不好把握,越不稳定。因为阿卡贝拉的演唱没有音乐伴奏和固定音高，这就需要演唱者既唱好音准,还要顾忌多变的节奏,如果演唱团队经验不足,演唱水平不高,常常会顾此失彼。所以当遇到一首作品时,先从节奏入手,分析节奏、掌握节奏、了解节奏的特点，节奏解决了，音准通过练习也会迎刃而解。例如笔者排练的曲目Saysomething,运用了大量的空拍且节奏多变,当休止几拍后接唱,原有的音准就极容易偏低或者音准偏离。谱例1：速度上,以Saysomething）为例,这首歌是6/8拍,该作品中低声部音区偏低,力度记号为弱,当演唱者中低声部唱歌状态不够积极,气息支持不够,发声器官过分松弛就会明显出现声音偏低现象。相反,在曲目爱要坦荡荡中，作品的速度过快,演唱速度也快，见谱例2：谱例2：/*FTt玉,I?daIttIal!JXgJBF,bbkb-，J1.<hUTtC快板时我们没有充分的时间去考虑辨别和衡量音的准确性,如果不提前在大脑中搭建音高概念,就会顺U带过,无法保证唱出的音准。作品速度太快时,我们作为演唱者情绪也容易激动，造成理智与情感的不平衡,不能很协调很放松的演唱,气息过浅,最后导致音准偏高。（二）演唱力度在阿卡贝拉的排练中,我们会发现,演唱的力度也是制约音准的重要因素之一，通常我们使用弱力度演唱时,可以清楚听到其他声部的音响效果,鉴别出相互之间的和声关系,从而形成良好的和声效果。但是,如果演唱状态不积极，弱力度反而可能出现音准偏低现象,这时候就需要演唱者歌唱的精神状态积极,始终保持着高位置,软腭尽量向上抬，将声音集中在眉心。而一些作品力度显示渐强,由于声音过大,大家情绪不断上升,容易感情用事,就不能兼顾其他声部的音响效果了。自己的音准与其他声部之间互相干扰,听觉敏感性在一定程度上衰减,最后导致音准失去了控制力。这时排练就需控制音量,提高注意力,倾听其他的声部,等到大家准确听出和声效果出来时，再慢慢恢复到作品需要的力度。（三）音区音准还与作品的音区有关系。通常演唱者在演唱低音区域时,声带松弛,所以声音可能会偏低;演唱到了中音区域,声带和气息都处于一种平衡的状态,声音相对稳定;而到了图音区域,我们的声带通常又处于一一种拉紧的状态，容易产生不均匀的振动,导致声音偏高。（四）呼吸呼吸是发声的动力是歌唱的基础,吸气的深浅和运用都会对音准产生影响。如果吸气吸的太多太深，容易导致声音不同程度的偏低。而气息吸得太浅又缺少控制,这时声音往往偏高。而演唱时换气不合理,长音没有及时换气，后面的音乐就会因为气息不够用而导致音准偏移。如果排练时因为呼吸问题出现音高不准的现象，那就要首先解决呼吸问题。当声带振动与气息的支持处于最好的比例时,音准是最好的,我们可以采用快吸慢呼或者慢吸快呼的方法来训练气息，注重慢呼,这样我们遇到较长的句子时才能保持音准的稳定。（五）吐字要想一首作品唱的动听，通常除了需要获得良好的音准及美丽的声音,还需要圆润,清晰地咬字,因为吐字咬字准确了，腔体才会舒展,声音才会规范。但是,很多作品中,歌词中的字极难咬,很容易堵塞声道。如“河”“黄”“火”这些容易漏气的字，演唱时声音很容易偏低；而“自”“知”“思”这种处于较高音区的字，会破坏声音位置,使音准受到影响;还有歌词密集,母音变换多,声道状态容易改变,也会影响旋律的音准。如果作品里遇到这种情况,歌词密集或者堵塞声音的字,应该把这些字逐个挑出,放慢速度,慢练多练用高位置大声朗读，让音头发音清楚,明亮而又准确。（六）旋律线条当一首曲目旋律线条起伏较多及旋律音程跳动的幅度时大时小时,音准相对稳定。而对于同音反复的旋律线条或延续时间较长的下行线条时，音准则容易偏低，反之，则偏高。（七）发声位置现在的阿卡贝拉曲目多是以改编和对流行歌曲的二度创作而来,传统的教堂式曲目已不多见,但是这不能说明阿卡贝拉曲目全部要通俗唱法全部靠气息。在很多歌曲中,除solo部分外,很多其他声部靠“en”“a”来使声部更饱满。如笔者在排练Saysomething）时,歌曲开始除了solo声部有词,其他声部全部是“en”,如果要保证音准,这就要求发出集中且位置高的声音,如果发声位置低且散,就会造成音准上的偏低,而且一般音准偏离是由发声位置造成,演唱者自己很难察觉,这就需要长期训练，在唱飞屋“或”丫母音类的字,要依靠美声唱法，打开喉咙,建立集中、高位置的发声状态。所谓的高位置,就是指声音集中,头部腔体与面罩腔体一起参与共鸣的声音，高位置声音的产生对音准的把握有着积极的意义。（八）舞台恐惧（演唱情绪）只要涉及表演，应该都会牵扯一个问题，舞台恐惧。很多演唱者在排练或者台下唱都没有问题,能够正常的发挥应有的水平。可是一上台，演唱水准大打折扣,跑调时有发生,严重影响舞台上的演出效果。究其原因，还是与心理素质有关。心理学上人的性格分为四种类型，分别是胆汁质、多血质、黏液质和抑郁质。一般来说,前两者为外向型，后两者属于内向型。外向型的人开朗、活泼,不容易怯场,内向型的人缺乏自信,容易羞怯。当演唱者在台上产生羞怯心理时,演唱情绪势必会受到影响,压抑、郁闷的状态会使音准偏低。如果紧张、加上情绪的激动,则更容易使音准偏高。心里素质不好的人对周围环境也格外敏感，所以演唱者在上台之前要学会调整心态,尽量让自身的情绪稳定,多想想怎样更好的表达作品,让自身投入进去,剔除杂念,以减轻压抑或者紧张带来的不良情绪。（九）乐谱的熟练程度（调式调性）如果一个团队想很好的表现一首阿卡贝拉作品,首先要对熟悉乐谱,不光了解自己的声部，还要能听出其他声部。因为阿卡贝拉区别于合唱,首先人数少,如果排练时脱谱,演唱者对乐谱不熟,听不出其他声部,衔接和音准就会出现问题。尽快熟悉乐谱的其他声部,熟悉自己的声部是保证音准的前提。同样，在一首曲目中,由于大调式的主和弦更为稳定,向心力更强，演唱大调式的作品就较之于小调式的作品要更稳定，更好唱一些;演唱小调式的作品,会经常出现跑音、跑调的现象,在慢速度或者中音区，这种趋势更为突出。三、阿卡贝拉音准的训练方法（一）加强听辨只有听准了才能唱准，在音乐学习过程中,视唱练耳会显得尤为重要。所以加强音高的听辨训练对于打牢音准基础是不可或缺的；而音高听辨训练又必须从听单音开始着手，因为单音训练不管是在歌唱还是合唱或是阿卡贝拉作品中，都是最基本的基础知识和音乐技能。配合模唱自然音阶的上下行,进行和声音程、和弦的模唱和听辨练习，要求团员们唱准每一个音。通过大量的训练提升音高听辨和模唱能力为以后的阿卡贝拉无伴奏的排练奠定基础。弹琴多用耳朵分辨，小二度发出的是刺耳又极不和谐的声音，大二度发出的是比小二度稍宽、稍明亮的不和谐声音,小三度发出的是比大二度更宽、更明亮的次等和谐的声音,大三度发出的是明亮和谐的声音，纯四度发出的是特别和谐的声音，纯五度发出非常和谐而纯的声音等等。无论由低音到高音还是高音到低音，都可以利用钢琴边弹边唱进行练习直至熟练掌握。但是，在熟练掌握之后,切忌一直跟琴模唱，因为这样会让大家对钢琴产生心理依赖感,不利于提高。另外，还可以充分利用乐器辅助听音来辨别不同的音程所具有的不同声音,总之,在不熟悉音准时，应该多听多唱,慢慢锻炼自己的耳朵。（二）培养抗干扰能力阿卡贝拉是一种集体创造力的体现,有关阿卡贝拉排练的一个很重要的问题,那就是在没有伴奏,几个声部一起进行的情况下唱准找准自己的音高。大家在单声部训练的时候音准可能非常好，然而当几个声部合在一起唱的时候,自己的声部就会跟着其他声部跑了。这种状况在笔者排练时时有发生,尤其当笔者演唱旋律与其他几个声部旋律大致相同时,如果抗干扰能力差,不能坚定自己的声部,就会导致跑偏。为了避免干扰。我们就应该多弹唱自己的声部,使旋律牢牢刻在脑中；还可以唱自己旋律的同时,用钢琴弹出另一个声部的旋律，提升抗干扰能力。（三）利用度数相近的音程、大小调音阶的试唱练习在排练阿卡贝拉曲目时,为了唱好唱准旋律,练习时可以通过度数相近的音程练习,度数相近的音程不仅可以让演唱者唱准音高，还有助于分辨相近音程的音高和度数关系，更好更熟练的掌握不同音程的音响感觉。而配合唱大小调音阶，可以在脑海中慢慢有固定音高的概念，所以经常弹唱大小调音阶练习也是十分必要的。四、结语音准是声乐教学的永恒主题之一，音准在音乐中有着不可或缺的作用,也是所有阿卡贝拉排练中必须强调的标准。演唱中全靠人自身对音准的把握，以及对固定音高的记忆。而音准是演唱的基础，在演唱中占据着不可或缺的地位，一首作品没有音准就没有观赏性,更谈不上合作，以上总结了多种影响阿卡贝拉音准的原因及阿卡贝拉音准的训练方法。但这些因素的存在及产生都不是孤立的，我们不能光强调某一方面,特指某一方面，排练中遇到的问题还是要具体问题具体分析。演唱阿卡贝拉突出合作意识，强调各声部的密切配合，并严格用和弦来校对音准。在训练时应该用正确的方法来训练,长此以往，阿卡贝拉中的音准问题一定能够解决。此外，团队中的老队员也应该对新加入的成员给予人文关怀,尽量创造一个良好的排练环境,让大家在心情愉悦的情况下参加排练，才能创造出优美和谐的声音。阿卡贝拉的演唱形式在视唱练耳教学中的应用有一种古老的音乐表演形式，虽然我们在生活中听得不多，但它从未被人们遗忘，它就是“阿卡贝拉”。它凭借演唱者一张嘴、一个麦克风，不用任何乐器，经过和声的巧妙编配及演唱者之间的默契配合就能唱出有如乐器伴奏的美妙歌声。阿卡贝拉乐团在节奏、音准训练方面是非常严苛的，重点是因其多声部的演唱形式，音响很丰富，深受青少年的追捧。目前，在视唱练耳的学习过程中，学生对音准、节奏能力上的欠缺及多声音乐思维得不到有效的引导等问题。老师们一直在寻找有效的教学方法去激发学生这方面的潜能。在视唱练耳教学中，教师可以借鉴阿卡贝拉的演唱形式，通过这种新颖的教学模式，去激发学生的学习兴趣。在本文中，对阿卡贝拉的缘起和发展背景做了简单的介绍，并详细介绍了阿卡贝拉的演唱形式在视唱练耳教学中的现实意义及实际应用。一、ACaPPena的由来、发展及其演唱形式阿卡贝拉是ac叩Pena的中文直译，源于意大利。“阿卡贝拉”的起源是西方中古时期的教会无伴奏合唱音乐或是在祷告和做弥撒时吟唱的表达方式，所以它最早的含义便是“教堂的音乐如公元十世纪意大利罗马教会出现用歌唱的形式读经文，最具代表性的便是格里高利圣歌。他单一的旋律被称为素歌，加了平行四、五度后形成简单的和声称为奥尔加农。1415世纪随着欧洲文艺复兴，“阿卡贝拉”出现了新的景象，涌现一批创作者和好作品，但作品以牧歌最具代表，演唱还局限在意大利美声发声中，曲风多为传统古典作品。17世纪后启蒙运动和工业革命影响作曲家大量创作歌剧、艺术歌曲、大型合唱作品，运用管弦乐队伴奏，“阿卡贝拉”被淡忘和消退。后来因为很多人注意到美丽的人声，开始怀念纯净和谐的声音。到了20世纪90年代增加了电声，以一种新的形式出现在流行乐团。阿卡贝拉的演唱元素包括：主旋律、低音、和声部分、乐器模仿部分、节奏部分。这些元素统统利用麦克风发出纯人声音乐来模仿电子音乐的音色。而且阿卡贝拉乐团还有一大特色在于他们发出的声音很和谐、自然。要达到这样的音色，可见阿卡贝拉乐团成员的听唱、心唱、听辨能力都非常强。这些基本音乐要素在视唱练耳的学习中非常重要，它需要一个长期的训练过程。现代的阿卡贝拉已经发展成为吸收时代多种流行音乐元素，如Beatbox的加入，表演肢体舞蹈化，服装、发型等时尚元素大量融入其中的表演形式，其艺术表现非常丰富，并深受广大青年的喜爱。二、Acappella的演唱形式在视唱练耳教学中运用的现实意义1 .丰富教学模式传统的教学模式并不适合所有的学生，对于一些基础薄弱的同学来讲很实用，但是对于基础稍好的学生来讲，就略显无聊乏味。所以老师要在传统教学模式的基础之上，引进一些新颖的元素融入课堂教学，以防学生的学习兴趣丢失。老师要结合学生的特点去做一些教学模式上的创新，这就是所谓的因材施教。2 .提高教学效果声音是音乐的本质特征，因为这个新兴的当代无伴奏合唱形式仍属于合唱的范畴，音响自然是丰富的。然而在单声部视唱中稍微薄弱一点。其实在单声部视唱训练中，可以配以一些节奏伴奏、哼唱一些没有实质意义的音节，再加上主旋律，这样音响会丰富很多。节奏是音乐的“骨架”，因为无伴奏合唱作品采用各种流行音乐的风格，其灵活多样的形式，丰富多彩的视觉感、明亮活泼的旋律和鲜明的节奏被广大听众所喜爱。我们可以把这些新颖的节奏训练方法带入课堂，去考验学生相互之间的合作能力，同时还可以增强学生对音乐的感知能力。3 .激发学生的学习兴趣兴趣是最好的老师。用学生喜欢的方式接触更多的音乐活动，去培养学生相互配合的意识，才能激发他们的兴趣和热情。老师不能一再地去用传统方法进行教学，这样一复一目，总有一天学生会失去学习的兴趣。要坚守“教师为主导，学生为主体'的原则，老师在课堂上可以给学生组织一些有趣的音乐活动，试着让学生通过这些音乐活动体验到音乐活动的美，享受与他人合作的快乐，分享音乐实践带来的成功感；以学生喜欢的方式参与视唱练耳教学课堂，在发扬学生音乐个性的同时，又让学生认识、体验到视唱练耳的魅力。阿卡贝拉的魅力在于它多声部的音响非常丰富。学生对多声部音乐活动从起初的紧张到后来的快乐参与，它需要一个循序渐进的长期培养过程。虽然大多数学生都喜欢多声部音乐，但是真的让学生去实践，不是件容易的事情。这要求教师认真对待每一次的教学,培养学生长期的音乐能力，提高视唱练耳训练的乐趣。老师还可以借助多媒体给学生播放一些优秀阿卡贝拉乐团的演出视频，让学生去体验多声部音乐的魅力。一旦学生对此演唱形式产生兴趣，这种学习会延伸到课后，学生会主动的去搜集、聆听相关的作品，通过欣赏这些作品去激发学生的灵感，引导学生把阿卡贝拉的演唱形式应用到视唱练耳中。三、Acappella的演唱形式在视唱练耳教学中的实际应用1 .在节奏训练中的应用讲授_接受，是传统教学运用最广泛的模式。视唱练耳课只需要一架钢琴、一位老师、一块黑板足以。当出现一条新的视唱曲，首先老师会把该条视唱中的节奏型教学生挥拍式打出来，同时这些节奏有一个固定的名字为“da”，来回地读上几遍，这就是我们所说的记忆式教学。在基础教学中，或者对一些基础稍微薄弱的学生来讲，这样的训练方法是必要的。但在节奏认识的过程中，熟练掌握节奏之后，我们应该做一些节奏的变体。因为一样的程序被持续使用，会使学生失去学习的激情。我们都知道阿卡贝拉的演唱形式听觉上很丰富。其实视唱练耳中的节奏训练也可以很丰富。比如说用我们的左手击单位拍，右手击分拍，这样就可以形成一个二声部的节奏训练。再比如双手可以击掌打出双声部节奏，左手低声部，右手高声部。同学之间也可以合作，把全班同学分为两个组，如果遇到这条二声部节奏：一组学生进行第一行的节奏敲打，另一组学生则第二行，这样又形成一个二声部的节奏训练。当然，在敲打节奏的过程中，不一定是击掌，只要能发出声响的物体或人本身能做到的都行，比如说敲桌子、捻指、跺脚等等，这样的声音交替进行，会发出更丰富的音响。同时节奏训练也是可以加入音高的，它们没有固定的名字一定叫“da”。当出现一条单声部节奏训练,老师可以将学生分为四个小组,这些节奏的音高分别为:domisoldo,学生可以任意地选择一个母音来代替打出这些节奏，这样就可以形成四个声部带有音高的节奏训练。这样的节奏训练需要学生积极参与课堂，彼此之间要有默契的合作意识。敲打节奏的同时要注意突出重拍，有强有弱。2 .在单声部视唱训1练中的应用单声部视唱曲只有一个旋律声部，按照传统视唱练耳课的教学模式，由老师将视唱曲范唱一遍，之后弹视唱曲的伴奏，学生跟着钢琴哼唱。反复的唱同一条旋律，加深对该条旋律的记忆，直到学生唱准音为止。基于这样的教学是最基本的，但是除了让学生练习视唱练耳日常的基本技能，更多的方向是让学生感受音乐和声效果。比如由一组学生来演唱和声部分，另一组学生在和声织体衬托的基础上演唱旋律声部，通过这样的教学方法来培养学生对和声听觉的感知能力。在单声部视唱训练中，最初训练的是音阶，从do唱到高音do,然后再下行音阶训练，为确保学生的音准。等到大家的音准达到一定的标准后，可以将这些音阶训练加上，进行三度和声的练习，例如：做这些练习，教师应要求学生用正确的呼吸方法，发出自然和谐的声音，还应要求学生养成边听边唱的习惯，不但要听自己唱，还要去听其他同学的声音，聆听整体和声效果。要学会阿卡贝拉乐团的那种自然和谐的音色。一条枯燥单调的音阶，通过这样的练习方法，不仅能提高学生的兴趣，更能提高学生的和声听觉能力，体验和声的美感。当一条视唱曲大家都很熟悉的情况下，可以尝试轮唱的方式，形成二声部的卡农。之后还可以配合主旋律配以一些节奏融入其中。选一位同学唱视唱的主旋律，其他同学敲打节奏伴奏。这样就可以形成一个节奏与旋律的二声部训练。这样的训练可以培养学生的合作意识，在合作的过程中调动学生的积极性，享受视唱练耳课的快乐。3 .在多声部视唱训练中的应用为什么学生对于多声部重唱的兴趣远超过单声部视唱呢?具体的原因分析如下：4 1)多声部视唱的音乐变得更加立体，开始有音程和和弦的出现，效果会更好听，增加学生的学习及练习的兴趣。5 2)不再是单独完成曲目，与同学之间有互动感、学习在演唱自己声部的同时去聆听别人的声部，每个人的声部责任感会更强。6 3)一旦完成好曲目，有一种成就感，对于学生学习的信心和积极性的提高有极大的帮助。7 4)实际的演唱可以更好的检验学生多声部理论知识的学习，实践性更强。多声部视唱应该是视唱练耳课程中学生最喜欢的一个环节，可以去体验和声的魅力。多声部视唱曲有多个声部，学生可以分组练习、相互配合。练习的时候要注意聆听各个旋律声部，去寻找整体的和谐、平衡。这样的训练不单单是考验学生的视唱能力，更多是在锻炼学生的练耳能力。为了锻炼这种能力最好的办法就是每一个声部指定一个人唱，这样的配合难度系数会加大，还要考验个人的音准节奏，不要受其他声部影响。在大家可以把多声部视唱很好的完成之后，可以把节奏运用到多声部视唱曲中，这些节奏的音响可以借助一些道具来完成，有学生唱，有人打节奏。视唱练耳课堂不需要辅助钢琴也可以进行，而且发出的音响比钢琴丰富。8 .在视唱体态律动中的应用体态律动是达尔克罗兹的音乐教育理念的核心和本质内容。达尔克罗兹认识到，音乐不是单纯的技能训练，更不是脱离音响的音乐理论知识传授，它应该是音响运动与身体情感的体验，以身体与音乐的结合紧密地联系为基础。“体态律动是将“肢体动作”和“节奏”进行组合，动作则是最基本的人类行为，是人类最本能的表达。打拍子，让学生养成打拍子的习惯看似是小问题，实际上是非常重要的，打拍子的时候所产生的肢体律动，以身体的动作对音乐作出了反应。要想养成良好的乐感，节拍很关键。老师在练习视唱的起初阶段要着重强调一边视唱，一边打拍子的良好习惯。嘴手统一，嘴上喊出节奏型，手上要挥拍。我们可以观察到阿卡贝拉乐团在表演过程中都会用肢体动作伴随着音乐一起律动，这样显得很自然而且和音乐本身很合拍，整个表演过程都在享受音乐的过程中。身体的律动本来就是属于人的本能反应，当我们听到一段音乐的时候，会跟着节奏点头、捻指打拍、晃腿、脚跺拍等等。这就是所谓的身体律动。这样的律动伴随着视唱一起有一定的好处，在很大程度上可以培养学生的乐感和音乐感知能力。现在很多高校在视唱练耳教学中仍然运用套用的传统方法和手段，有与教学内容脱节、缺乏时代性和系统性之嫌，这样的教学模式持续使用，难免会使学生对视唱练耳的兴趣索然。本文是笔者将阿卡贝拉的演唱形式融入视唱练耳教学中的大胆尝试。文中较为详细地阐述了如何将阿卡贝拉的演唱形式应用到视唱练耳教学这个问题，希望高校老师们能够考虑在传统的视唱练耳教学模式的基础上，适当引用一些新鲜的元素融入课堂，让学生去感受多声部音乐的魅力，从而激发学生对视唱练耳的兴趣，才能以利于切实提高学生的基本音乐素养。