音乐学院专业毕业论文5篇汇编.docx

音乐学院专业毕业论文5篇汇编音乐学院专业毕业论文（一）题目：简析舒曼钢琴套曲蝴蝶的音乐特征及其演奏院（系、部）：音乐学院专业：音乐学姓名：学号指导教师：【摘要】舒曼的蝴蝶是他早期钢琴创作的精品，乐曲中充斥着明艳的色彩和独特的个性，其艺术修养和演奏难度都比较高，具有重要的研究价值。本文以作品为研究对象，就其音乐特征和演奏技巧方面进行具体的分析，希望能更好地诠释出音乐内容。【关键词】舒曼；蝴蝶：音乐特征；演奏技巧；AbstractSchumann,s"butterfly"ishisearlypianoworks,musicisfilledwithvividcolorsanduniquepersonality,hisartisticaccomplishmentandplayingdifficultyishigh,haveimportantresearchvalue.Astheresearchobject,basedontheworkswithrespecttoitscharacteristicsofmusicandperformanceskillsintheaspectsofconcreteanalysis,hopingtobetterinterpretthemusiccontent.Keywordsschuman；butterfly；musicalcharacteristics;playingskill目录中文摘要1ABSTRACT1绪论21 .舒曼与标题性音乐31.1 舒曼生平介绍及钢琴代表作31 .2标题性音乐32 .钢琴套曲蝴蝶的音乐分析32.1 钢琴套曲蝴蝶的创作背景32.2 钢琴套曲蝴蝶中的音乐形象43 .钢琴套曲蝴蝶的演奏技法分析44 .结语86 .谢词97 .参考文献(ReferenCe)9罗伯特.舒曼(18101856)是第一个把独立的钢琴小曲串联成一个钢琴艺术整体的德国作曲家，他创作了许多优秀钢琴作品，其中以蝴蝶最具有代表性。全曲由12首短曲组成，曲子与曲子之间存在着明艳色彩和独特个性之间的对比，作品的艺术修养和演奏难度都相当高，在许多钢琴作品中也有着独特的艺术价值。而标题性钢琴套曲的出现，也深刻地体现了舒曼在音乐创作上的最高成就。本课题集中地就蝴蝶这部作品中的音乐特色及其演奏方法进行深悉，努力解决弹奏中会出现的技术难点以及情绪情感的表达，希望给大家做一个参考。1 .舒曼与标题性音乐1.1 舒曼生平介绍及钢琴代表作舒曼是浪漫主义时期音乐的代表人物，是德国著名的作曲家、音乐评论家，也是非常有个性的作曲家之一。他出生于德国小镇茨维考，从小就爱好文学和音乐。六岁学习钢琴，7岁开始作曲，16岁进入莱比锡大学学习法律，19岁又进修钢琴，帕格尼尼的一次钢琴演奏对他产生了很大的影响，使他放弃了学习法律,主攻音乐。后来因为残酷的训练方式损伤了他的手指，所以成为演奏家的理想破灭了。从此，他将全部精力转向了作曲和音乐评论。1834T844年，他创办了新音乐杂志，宣传自己的浪漫主义音乐观。他认为音乐的表现、感情的流露，能够传达艺术家对于世上一切事物的情感体验。这种浪漫主义倾向清晰地反映在他的一系列钢琴作品中，包括钢琴组曲蝴蝶、狂欢节、大卫同盟舞曲、童年情景、C大调幻想曲等。1. 2标题性音乐蝴蝶是一首典型的标题性钢琴套曲。作品里的十二首钢琴小曲都有相应的标题，由此形成了标题性音乐。"标题性音乐”是指浪漫主义时期的作曲家用诗歌、文学或者图画来表现他们的音乐，而这些音乐内容就是通过标题来说明的,因此叫做“标题性音乐”。舒曼用“蝴蝶”这个与乐曲本身没太大联系的词语作为大标题，也恰好体现出它对于“自由”的追求。这里的“自由”，主要表现为两个方面：一、整首套曲的结构形式显得自由而“松散”。（这里的“松散”不是真正结构上的松散，而是形散，神不散）二、套曲小标题的选择较“自由”，舒曼选择了一个脱离乐曲内涵的小标题，但他的初衷却是为了让听众在欣赏的过程中随着旋律的进行而充分地发挥出想象力，去幻想作品中的意境。2 .钢琴套曲蝴蝶的音乐分析2.1 钢琴套曲蝴蝶的创作背景蝴蝶这部作品充分显示出舒曼独特和浪漫的人格魅力。它源于作家让我尔的小说轻率的年代中的最后一章幼虫之舞，写的是一个假面舞会的故事，描写了一对性格完全不同的季生兄弟巴尔特和布尔特同时爱上一位漂亮姑娘维娜的浪漫爱情故事。小说中，这个委婉的爱情故事为舒曼创作蝴蝶提供了丰富的素材。于是他有感而发，创作了这部套曲。全曲共包括十二首小曲，分别是化妆舞会、巴尔特、布尔特、假面舞会、维娜、布尔特之舞、交换假面、招供、愤怒、卸装、急忙、终场。2.2 钢琴套曲蝴蝶中的音乐形象蝴蝶这个名字是由小说改编而来。小说中的爱情故事讲述的是，在一个化妆舞会上，布尔特看见了正在跳舞的巴尔特和维娜，于是就换了巴尔特的衣服打扮成他的样子，来到维娜的身边，维娜误以为他就是巴尔特，于是两人同时向对方表达了爱慕之情，后来事情水落石出，布尔特最终离开了，成全了巴尔特和维娜。作品中的音乐形象：第一首化妆舞会，展现的是舞会完美的开场。第二首巴尔特，形象地给我们展现出瓦尔特活泼、快乐的人物特征。第三首布尔特，可以体现出“布尔特”这个人物稳重、踏实的性格特征。第四首假面舞会，生动地表现出少女轻盈的舞步与迷人的姿态。第五首维娜，主要描写的是维娜出场时华美，高雅的形象以及与布尔特一见钟情的场景。第六首布尔特之舞，主要描绘的是巴尔特得知布尔特和维娜一见钟情之后表现出的焦急、紧张的心情。第七首交换假面，主要描写巴尔特和布尔特交换面具的场景。等等。第八首招供，描写的是维娜表明了自己的态度，选择了巴尔特的情景。第九首愤怒，小标题叫“愤怒”，其实是维娜撒娇的表现，充分向我们展现出这个人物的性格特色。第十首卸妆，描绘的是一个非常热闹的舞蹈场面。第十一首急忙，讲述了布尔特知道维娜喜欢巴尔特之后，匆忙地离开了舞会的情景。第十二首终场，以巴尔特和维娜的圆满爱情收场。3 .蝴蝶的演奏分析1 .引子引子是D大调的旋律，3/4拍节奏，由六小节构成，中速演奏。1-4小节都是呈上升趋势并作渐强处理。弹奏5-6小节时，努力控制好手指力度，弱奏，缓慢结束。引子的内容就预示着舞会即将开始。2 .第一首“化妆舞会”承接引子中的D大调调性，采取舞曲的3/4拍节奏。1-8小节，运用上行横向八度音阶来展现舞会完美的开场。9T2小节，注重切分节奏的运用，在力度上面，要迅速地弱下来，并突出里面的切分音，带点诙谐和幽默的色彩，然后再进入到主题旋律，充分地呈现出舞会的热闹气氛。这里需要重点提出的是八度音阶的指法问题，用3、4、5指的连接要将旋律连贯完整地弹奏出来，并且演奏者在弹奏时要求贴键，大臂放松，这本身就是个技术难点。（见谱例D（谱例1）3 .第二首“巴尔特”这首小曲的速度是急板，整体调性由降E大调转为降A大调。1-4小节以一连串的琶音做铺垫，然后转入降A大调的旋律部分。这一段集中采用了落滚这一技巧，用力但不死板，轻巧而不松垮，形象地给我们展现出瓦尔特活泼、快乐的人物特征。（见谱例2）（谱例2）4 .第三首“布尔特”这首小曲与第一首有相似之处，它们都是运用八度音阶旋律作为整首小曲的线索，但是表达出的音乐情感却相差甚多。第一首表达的多是热闹、喜悦之感，而这一段的音乐却略显厚重，严肃。小曲调性由升f小调转到A大调再转至升f小调。1-8小节的左手部音乐是本曲的主题旋律。在弹奏时，左手的八度音要扎实，稳固。这八个小节的旋律是一气呵成的，所以要连贯地演奏，因为是3/4拍节奏，所以还要稍微突出节拍重音。9-17小节时，弹奏右手的八度旋律时，要做到手臂、手腕和指尖的统一，声音有弹性，力度均匀。最后17-25小节，出现了主题旋律的先后开始，即右手旋律已经进行了两小节，左手相同的旋律紧接着出现，也就形成了“卡农”，然后渐入尾声。（见谱例3）（谱例3）5 .第四首“假面舞会”这部分是带再现的单三部曲式。1T6小节是第一部分，A大调，旋律轻松活泼。在演奏时，要注意放松大臂，掌关节撑住，手腕不能僵硬，富有弹性，贴键弹奏，这样发出来的琴声才会优美动听。17-32小节是第二部分，升f小调，听起来的感觉要比第一部分更浓烈，一方面，表现为情绪速度上的丰富变化，另一方面，是因为和弦为这部分的音乐增加了鲜艳的色彩，所以在听觉效果上就比第一部分要丰富的多。演奏中要求手腕做好落提的动作，落键要稳，离键要轻，并且要控制好音色，这样有利于表现音乐的情感变化。33-40小节为本段的第三部分，与第一部分相比较，气氛被渲染的更加热烈。最后41-48小节就是再现部，又一次回到了主部主题音乐中。6 .第五首“维娜”这是一首抒情性的降B大调小曲，三部曲式。1-9小节的旋律较舒缓，弱奏,不过要突出上方声部旋律，也就是要求小指要勾住旋律音。乐句的呼吸也极为重要，需要观察乐句之间的联系。左手声部要突出低音旋律，与上方声部相呼应。9-12小节，调性转为g小调，音乐表现性增强，在浓烈的和弦衬托下，突出左手旋律音，然后由sf-p。13T9小节的旋律再次展现其优雅、抒情性，与前面的和弦形成强烈的对比。这里要强调的是和弦的弹奏，手腕要特别快地将指尖推至键盘底，再快速地提起，注意手腕不能抬得过高，不然弹下一个和弦的时候时间不够。本曲19-26小节为再现部，主题旋律演变为八度进行着，明亮而宽阔，愈加渲染当时的情景。（见谱例4）（谱例4）7 .第六首“布尔特之舞”这首小曲中多用切分节奏且调性变化多，是经典的回旋曲式。调性的变化是由d小调-A大调-d小调-F大调-d小调。1-6小节，通过和弦的连接使音乐进行的紧凑、有力。我们可以想象出布尔特的那种男子气概和刚强、果断的性格。弹奏第一个和弦，把力量送至指尖推到键底，然后手指顺势滑至下一个音符，快速松掉。这部分的难点是踏板的运用，踏板应该踩在重音上，即第二个和弦上面,弹左手低音的同时松掉踏板，后面几个和弦亦如此。7T4小节，音乐转为A大调，充满了明亮的感情色彩，和弦弹奏时要柔美，弹奏速度可以稍慢。25-32小节，主要描绘的是巴尔特得知布尔特和维娜一见钟情之后表现出的焦急、紧张的心情。这个插段可以采取层层递进的方式进行演奏，一直到把音乐推向高潮。33-39小节再一次重复主题旋律，在高潮处结束掉音乐。（见谱例5）（谱例5）8 .第七首“交换假面”这是描写巴尔特和布尔特交换面具的场景。全曲共有两个乐句，音乐的整体感较强烈，意境优美，富于歌唱性。1-8小节，呈现出的是一种朦胧美，演奏时要极弱，有较强的手指控制力。9-24小节是第二个乐句，旋律连贯，要突出高声部的旋律，也就是要求将重心放在4、5指上，而低音部分，则要求手指要贴键弹奏。9 .第八首“招供”和弦音型在这段音乐中起着相当重要的作用。1-8小节中的和弦充满了爆发力，潜藏着一股驱动力，将音乐的表现力发挥的淋漓尽致。演奏中需要注意的是这些和弦的弹奏方法，要定好手腕和指尖的支架，撑住，突出旋律中的高低音。9-16小节中，节奏略显舒缓，但不失活泼，旋律和调性前后呼应，构成了一个完美的整体。（见谱例7）（谱例7）10 .第九首“愤怒”这段的演奏技术要求很高，快速弹奏，颗粒性强，情绪饱满，音色要明亮。左右手的触键不同，左手要求声音集中，右手要求贴键弹奏，声音柔和。全曲需要注意一下强弱的变化，要抑扬顿挫。11 .第十首“卸妆”这是以C大调为主音调，描写了假面舞会结束前，大家摘下面具以真面目示人，维娜直到此刻才明白真相。1-16小节的旋律给人以欢乐庄重之感，在弹奏时，可以逐渐增加力度，加快节奏。17-24小节，可以加速，用大臂的力量弹奏,以达到浑厚、饱满的声音。25-76小节，采用朦胧、优美的旋律，左手声部的音乐较柔和，用指腹弹奏，要具有连贯性和声音的流动性。这两部分之间存在巨大的反差，也表现出音乐中强大的情绪反差。12 .第十一首“急忙”这首小曲运用了“波罗乃兹”的节奏。前三小节的节奏特别紧凑，开始的一个八度重音抓住了听众的心，随后和弦突弱，渐渐加强至高潮部，再渐弱。主题旋律活泼、轻快，但音乐的对比部分较多。演奏时借助踏板更能深刻地表达出音乐的内涵。高声部的旋律要突出，有层次感，控制好整体的音量与音色。（见谱例8）（谱例8）13 .第十二首“终场”这是整首蝴蝶套曲中的最后一首小品，这一部分重复了第一首的主题旋律及调性，音乐讲述的是狂欢后，舞会进入尾声。随后的主题象征着布尔特和维娜的爱情。全曲和第一首相呼应，有着内在的统一性和关联性。演奏时要保证节奏的准确性以及旋律的连贯性，使终曲在音乐情绪上再次达到一个新的高潮。结语蝴蝶是舒曼早期的钢琴套曲代表作，这部作品向我们展示了十二首风格迥异的音乐小品，生动地表现出人物细微的内心活动。所以，演奏者在演奏这部作品时必须认真把握作品的内在情感，将舒曼音乐中的浪漫主义想象力与丰富的音乐表现力充分展现出来。通过对本课题的分析研究，使自己对蝴蝶的音乐特征及演奏技巧的处理有了更具体更全面的了解，其音乐特征主要体现于钢琴套曲的创作，标题性音乐的崛起。演奏方面，我们一定要努力地处理好乐曲的音乐形象、触键、音色及情绪表达。通过这样细致的分析，也是对自己所学知识的一次重大考验，希望该论文对同专业的研究者也有所帮助。谢词至此，论文已临近尾声，在这里谨对我论文指导老师潘静以及其他各位老师几个月以来对我的悉心指导与教诲表示衷心的感谢，你们渊博的专业知识和严谨的科学态度都使我受益匪浅。同时，我还要感谢这段时间来给予我帮助的同学们，感谢你们对我莫大的支持和鼓励，让我能够顺利地完成本论文。感谢本文参考文献中的各位作者，他们的研究成果为我的论文奠定了基础。最后，向在百忙之中评审本文的各位老师们表达我深深的谢意！谢谢大家！参考文献【1】于润洋西方音乐通史上海音乐出版社2011.22刘悦西方古典音乐欣赏指南宁夏人民出版社2005.6【3】李秀军西方浪漫主义音乐分析与鉴赏上海音乐出版社2008.54康宁钢琴欣赏十八讲北京师范大学出版社2011.10【5】王志熊外国名曲辞典上海音乐出版社2004.12音乐学院专业毕业论文（二）视唱练习对钢琴演奏的帮助中文摘要随着音乐热潮的兴起，钢琴被更多的人所接受并练习。钢琴不仅仅是练习的乐器，更是一种表演的乐器。而在西洋乐器中，钢琴也有着“乐器之王”的美誉。这对钢琴的教学与演奏提出了更系统，也更严谨的要求。钢琴的演奏除了有技术层面的要求，更多的是对情感的诠释、作品的理解和作曲家风格特色等等方面的的表达。这些都不是只有纯粹的钢琴练习就能达到的。在钢琴的教学和演奏过程中，有一个词被频繁提起，那就是一一乐感。表演者对演奏或演唱作品的理解和表达，就能称之为乐感。在音乐表演中，作品的诠释是否到位、情感是否贴切都以乐感为体现。这使得乐感成为判断一位演奏者是否成功的重要条件之一。乐感并不是天生就拥有的，在后天的学习中，我们可以通过丰富的视唱练习、反复的听、反复的唱以得到我们需要的音响效果。特别是具有音乐性的视唱练习，是培养乐感，提高钢琴演奏能力的最佳途径之一。传统意义上的视唱练习，过于关注音准的问题，从而忽略了对旋律表演性以与乐曲整体性的表达。这让视唱练习成为单纯的音准练习，没有达到锻炼乐感能力的目标。在视唱练习中，有许多方面都能够对乐感能力有着锻炼的作用，比如节奏感的培养，和声感到培养，音量、力度感的培养等。笔者认为：只有加强对视唱练习的重视，从各个方面锻炼视唱能力，提高视唱水平，才能使乐感能力得到提升，也只有这样，才能丰富钢琴的表达能力，从而提高钢琴的演奏水平，达到练习视唱的目的。关键字：视唱练习，乐感，钢琴演奏目录中文摘要2一、绪论3二、视唱的重要性4（一）视唱练习的一般状况4（二）视唱练习的重要性4三、如何培养良好的视唱习惯5（一）对于音准的培养5（二）对于节奏的培养6（）对于音量和力度的培养7（四）对于和声听觉的培养7四、视唱练习对钢琴演奏的帮助7（一）视唱对乐感的帮助8（二）音准的表现功能对钢琴演奏的帮助8（三）拍子的表现功能对钢琴演奏的帮助9（四）节奏的表现功能对钢琴演奏的帮助9（五）力度的表现功能对钢琴演奏的帮助10（六）和声的表现功能对钢琴演奏的帮助11（七）调式的表现功能对钢琴演奏的帮助12结论13致：14注解：15参考文献：15一、绪论钢琴演奏的道路上，我们可以通过循序渐进的练习、科学的方法得到良好的效果以与完美的演奏技术。只有掌握了科学的练习方法，加以刻苦练习，就能取得成功。而一个成功的钢琴演奏者所拥有的，绝不仅仅只有技术而已；还有充满感染力的音乐表现力，使听众引起共鸣的音乐魅力。这些都不是一个只有技术的演奏者可以达到的。除了完美的演奏技术，表演者更需要的是“乐感”。有了良好的乐感能力，才能把谱面上音符变成富有旋律性的乐音；有了良好的乐感，才能将作曲家所要表达的意境，通过乐音表达出来；有了良好的乐感，才能更准确的理解作曲家的所思所想；有了良好的乐感，才能更全面的呈现曲子所要表达的思想感情。而良好的乐感又需要通过科学的、全面的视唱练习得到。视唱练习所必备的也不仅仅是简单音准而已，还有各种各样的节奏型，色彩丰富的和声，种类繁多的表情记号和力度变化记号等许多方面。只有加强对视唱练习的重视，才能提高乐感能力，从而提高钢琴演奏水平。二、视唱的重要性（一）视唱练习的一般状况在传统的视唱练习教学中，往往过于注重在音准的训练上，使得学生认为：只要有正确的音准，就等于是学好了视唱。导致了学生们只是一味的反复模仿，使视唱成为单纯的模唱。这种学习方法的单调性,不仅使他们的学习态度发生了改变,而且也让他们对这门课程的真正涵也发生了本末倒置的理解，认为视唱就是把书上的几百条视唱曲唱下来就好了，甚至背下来,就学会视唱了。而在练习中，学生花太多的精力在“唱名”上，也导致他们忽略了视唱曲原本的旋律性和音乐美感，使得视唱曲成为单纯的练习曲，而不是具有旋律性的乐曲。这也改变了视唱练习的最初要求一一培养学生乐感的要求。学生通过这样的视唱练习所得来的，不过是麻木的音准和没有乐感可言的句子而已。（二）视唱练习的重要性视唱是通过视觉来进行识谱的，它不仅仅是练耳的基础，也是积累音乐语汇和音乐听觉经验最直接、最有效的方法之一。首先我们必须明白的是，学生视唱的目的是什么。第一：熟练音符间的关系，像掌握语文词汇一样的掌握音符，这样才能做到信手拈来，得心应手。所有的旋律都是由音符组成的，熟练视唱也就是熟练音符的过程,像这样循环往复,才能达到视谱即唱的目的。第二,就是通过声音作用于听觉,积累听觉经验。听觉经验，是理解音乐的基础，而音乐理解则直接关系到音乐的表达。积累大量的听觉经验，也可以促进对多声部听觉的能力以与对和声音响的理解和分辨。视唱是一门基础课，其最终的目的，是训练学生的读谱能力，培养学生准确的拍子、节奏和良好的音准与乐感能力。因此，视唱所要训练的容是十分的丰富的，包括音准、节奏、表情、读谱等等。所以，在训练的过程中，既要将每一方面单独训练，又要有将他们统一起来的能力。比如说“音准”，在不同的节奏中，音准的准确度也有难易之分，而在不同的速度和表情下，音准也存在着细微的差别感。而读谱的敏锐度，是影响视唱是否完整的最根本的原因。因此，在视唱练习时，必须将各项的单项练习和综合练习统一起来，多方面渗透，多方面成长。视唱除了解决最基础的音准、节奏、表情外,还必须注意培养乐感能力,这是学生在视唱学习时最容易忽视的问题。在传统的练习中，学生将注意力大多都集中在“唱名”上，从而忽略了视唱曲原本的旋律性和音乐性，这就使得教师必须时刻提醒学生,将每一首视唱曲都当做歌曲来唱，将歌唱的方式和视唱结合起来,使得学生在唱视唱的同时，也注意到旋律的美感，只有这样才能正确的表达曲子的风格特征。虽然初期接触的视唱一般都以功能性居多，因此或多或少就忽略了视唱练习原本的音乐性，虽然这个时候的视唱曲都较简单,但那种没腔没调的演唱,不可能真正提高学生的审美情趣,达到视唱练习原本的目的。所以，即便是最简单的视唱练习，也耍将其旋律性和音乐性给唱出来，将对乐感的重视，从最简单说视唱练习开始。在练习中运用科学的视唱方法,要能做到“眼到、心到、口到、耳到、手到”，也就是说，看一看曲谱的调号、拍号等出现的各种记号;想一想这首乐曲是什么调,应该用怎样的速度,对旋律的起伏、力度的对比该有什么样的处理;把曲谱准确地、富有表情地唱出来;唱的时候要注意听清楚音准、节奏、速度等是否正确;边唱边打拍子，注意拍点的准确性,借助手的动作把握好速度的快慢以与节拍的强弱。三、如何培养良好的视唱习惯（一）对于音准的培养音准，就是人们对乐音高度准确性的认识和表达能力。其中包括听辨能力和唱奏能力。音准取决于音乐听觉和演唱、演奏器官的状态与能力。对于音乐专业的学生，要求具有准确地辨别出乐音高低的能力，有同时能在心中把某一音高度“想”出来，再与其他演唱、奏器官协调动作，迅速而准确地唱、奏出来。这就是音准的含义。训练音准与在音准上的表现能力，分为以下两种。1 .绝对音准感到定义。即凭经验能确定某个音的准确高度。这不是每个学习音乐的或从事音乐工作的人都能做到或必须做到的。但是，有这种绝对音准的人，通常音乐修养较高。绝对音准通常以a的高度作为训练标准。从事音乐专业的人或多或少都具有某种程度的绝对音准能力。他们对某个调性，某个音特别敏感，能立刻“想”出来或唱出来。教师则可以积极利用这些条件来发展他们的绝对音准感。2 .相对音准感的定义。即依据某个音的高度，辨别出其他音高的能力。这是一种比较普遍的音乐能力。但是，这种相对音准的能力，不仅仅是根据某音而确定其他音的能力，更应该具有达到符合调式风格的音准的能力。按照调式音准来要求学生的唱、奏能力和听觉能力，培养一种较高的音乐修养,这是对大部分学生的要求。（二）、对于节奏的培养节奏是音乐的“骨骼”，是音长短、快慢、强弱、延长、休止、抑扬顿挫的总和。一个人对于这种现象，能在听觉上分辨出，或者是心里想象出，并与演奏、演唱器官相配合，所表现的能力，就是节奏感。节奏训练又是视唱练耳课的重要容。学生很反感纯粹的技术训练,要在其中注入新的活力，就必须在节奏在的韵律美即“抑、扬、顿、挫”上下功夫。节奏的训练，既要有节拍，有要有节奏。节拍是训练的基础，但不是最终目的。乐感是通过节奏来表现的，有以下几种情况。1 .节拍与节奏是统一的。就是在节拍的基础上，演变各种各样的节奏。反过来，各种节奏变化又以一定的节拍来规；2 .节拍退居其次，主要突出节奏的意义。为了使节奏有流畅的表现，甚至可以超越节拍的规，使得节拍有了失真的感觉，但节奏是正确的。比如在演奏舒伯特军队进行曲的低音伴奏时，如果把第一个十六分音符稍微延迟一下，就能获得更加轻巧、更有弹性的表现；如AIlegrovivaceVVit-H-H=R-FnII11IIIllIIIMrIMii-,W"mIrmi,/1；11；a；a；U-a；a；113 .节奏的完整性要从整体去体验，而不能用“数拍子”来完成。甚至在某些情况下，复杂的节奏反而变的更容易了，比如肖邦的波兰舞曲，马祖卡等舞曲，就主要是依靠风格来演奏的。如果按照谱面上的拍子来演奏,就显得呆板又困难,但如果是从节奏的风格上去训练，则容易了许多；很多时候，必须依靠节奏的风格来训练，才能演奏出美感来。如演奏斯特劳斯的圆舞曲，单纯的数拍子，是不能得到圆舞曲轻盈优美的效果的。如：p附学4 .广义上的节奏包含有速度的意义。没有了速度，节奏就是不完整的，速度的基本要求如下：始终如一的均匀的速度和对于绝对速度的感觉，心想象和表现能力。（三）对于音量和力度的培养音量和力度，简单的说，就是艺术的处理音乐中的强、弱、音量、力度的能力。这是在音准、节奏的基础上衍生出来的，更高程度的要求。音量由力度控制，它是对乐句处理最基础的能力。要想培养这样的能力，首先要理解音量、力度的变化是什么。1 .基本力度（由弱到强）PPPPmpmfffffff变化力度Cresc很弱弱中弱中强强很强极强2：基本力度（由强到弱）ffffffmppppppp变化力度dim极强很强强中弱弱很弱非常弱只有理解了这些变化的对比意义，才能在丰反复的视唱练习中得到训练，明确这些变化在乐句和曲子中存在的意义和作用。（四）对于和声听觉的培养和声，包括音程和多声部。巴赫的创意曲则是多声部的典型代表。演唱或演奏巴赫的创意曲，也是对和声听觉的一种锻炼和理解。巴赫对于创意曲的操作，并不是把练技术当作最后的目的，而是把声部的清晰、乐意的设计当作必经的过程，把作曲作为最终的目的。巴赫作为巴洛克时期的音乐家，巴赫的作品中也有着鲜明的巴洛克时期的色彩。其特点为：第一，在主旋律声部上进行与多条旋律声部的叠加。其表现出一种交替起伏、相互响应的音乐效果。只有能抓住主旋律的痕迹，才能让曲子完整，使曲子的乐感连贯，优美。第二，在主题上叠加不一样的音乐形象，使得同一首曲子中的主题，可以保持同一种音乐形象，也可以是不同的音乐效果或形象。Ol四、视唱练习对钢琴演奏的帮助钢琴演奏，绝不仅仅只是纯技巧的显现，技巧是载体，情感才是最终目的，而乐感，正是技巧与情感完美结合的表达，。乐感是音乐表演的灵魂，是人们对音乐的感觉能力,想像能力和表达能力的综合反映，它建立在音高、节奏准确基础之上,但又超越于音准的规,把音响流动的标准形式提升为富有感染力的音乐。努力培养学生的乐感,使他们的视唱达到音量适度，音调乐耳,节奏明确，音准无误，强弱得体,适度恰当的境地,使视唱具备有效表达容的基础，为学生进行音乐艺术的表演和创造创设条件。从上面的分析我们可以明白视唱练习对于乐感培养的帮助，那如何将乐感与钢琴演奏结合起来，也是提高钢琴演奏水平所面临的问题之一。（一）视唱对乐感培养的帮助1：帮助学生理解曲子的风格特色和音乐形象每首曲子，都有其最基本的情绪和最基本的速度。而掌握一首曲子的力度、速度、表情术语是掌握曲子主题音乐形象、音乐风格的前提和依据。就比如说：Allegtoenergico（坚定有力的快板）就不能唱成Adagio（柔板），这不仅使曲子的风格发生了变化，也不能正确的理解曲子的音乐形象，这是其一。第二是不同的时期、不同的地域、不同的民族，都有其不同的艺术风格、音乐特点等。现代印象派的乐曲就少了古典主义的优美，而东北的大秧歌也少了江南丝竹的婉约，更不用说傣族的乐曲自然就少了蒙古民歌的雄壮、浑厚。只有对这些容有所掌握,才能正确的把握整体的音乐形象和风格特色。第三，我国的民间音乐，更有着浓厚的地区特色。如东北民歌，它的节奏、吐字、旋律、行腔上都有着明显的地域特色，如果仅仅只是追求音高，那就错误的理解了民歌的风格，也就可能发生冠戴的错误。2：让学生形成固定模式的处理习惯固定模式的处理习惯，不是刻板的要求和表达，而是通过利用事物的规律，形成一种比较明了的处理方法。具体表现为：Ol通过旋律进行的方向处理音乐音量和力度的变化。上行的旋律通常是开放性的，色彩比较明朗，感情也比较热烈，在没有具体表情术语的情况下，可以做渐强处理。而下行的旋律具有收束性，色彩显得柔和，感情也更平稳，一般可以做渐弱处理。而同音反复的旋律，具有稳定、舒展的感觉，可以根据乐曲的主题情绪做出渐强或减弱的变化。迂回式的旋律通常表现比较委婉、细腻的感情，旋律通过上下的起伏，而富有韵律感。而在视唱练习中，可根据旋律的起伏做出相应的变化。2跳音和连音的比较。这是在视唱练习中最基本的演唱方式，连音通常要唱的优美、连贯；跳音要唱的有弹性、轻巧，还不能破坏原本的旋律线条，要能做到音断意不断，点中有连。03正确的分句与乐句的处理。这是视唱练习是否理解正确的关键。只有正确的呼吸，正确的划分了句子，才能完整的理解曲子的风格，表达作曲家的所思所想。如果连乐句都划分错了，那也就将曲子的语气理解错了，那还能有多少美感可言了。（二）音准的表现功能对钢琴演奏的帮助音准。音准是旋律的基础，由单音进行构成的旋律在视唱和听音中都占有十分重要的位置。旋律是音乐的基本表现手段之一，其本身就具有丰富的艺术感染力。为了掌握更多的音程色彩，枯燥的旋律练习是必要的。但是即便是这样，视唱练习曲本身的起承转合还是蕴含着乐音的美感。这一点，在许多的教材中都能找到，比如：谱例通过一定量视唱练习的训练，更有利于把握旋律线条的进行以与对曲子风格特色的理解。特别是在加入了调式的色彩之后，音准的问题就尤为重要。大调与小调在色彩上的差异，以与加入升降号之后，音准的要求就更为严厉。所以，准确的音准，不仅是视唱的基础，也是钢琴演奏的基础之一。钢琴是有着固定音高的乐器，所以在唱法上，我们可以将首调唱法与固定唱法想结合。利用首调唱法理解调式调性的差别，再通过首调唱法巩固音高的概念，而不仅仅是局限在某一种唱法上。特别需要强调的是，首调唱法更有利于旋律线条的把握，只有抓住了旋律线条的动向，才能正确的理解乐曲的意义。（三）拍子的表现功能对钢琴演奏的帮助在乐曲的进行中，拍子最重要的作用在于稳定乐曲的周期，但我们也不能忽略拍子对于音乐作品表现的意义和作用。本文以常见的而二拍子和三拍子为例来分析拍子的表现作用。1：二拍子的表现作用。这是两种较为常见的拍子，二拍子的强弱拍交替进行，力度对比在相对短的周期里显得比较鲜明，所以常表现比较刚劲有力、明朗的情绪。所以大部分的进行曲、舞曲和叙事性较强的音乐都用二拍子来表现。如聂耳的义勇军进行曲2：三拍子的表现作用。三拍子的强弱关系的循环是不平均的，所以在乐曲常表现为优美、流畅的特点。多用于表现喜悦的心情，并常运用在圆舞曲中。如古诺所写的浮土德中的一段。（四）节奏的表现功能对钢琴演奏的帮助必须先认清，拍子与节奏是不一样的定义。节奏是音乐的“骨骼”，而拍子是旋律进行的周期。稳定的拍子，是所有钢琴曲可以完美的重要条件。节奏可以看成是与旋律进行同步进行的一种韵律，稳定的节奏可以使旋律结构稳定，并可以使分句和呼吸也更为准确。在钢琴演奏中，某些节奏型甚至可以代替单纯的拍子的进行。以完整的节奏型为单位，更容易理解乐曲的风格特色，比如肖邦的幻想即兴曲。让节奏成为旋律进行时的律动感，这就使得旋律更加的流畅和完整，乐句更加的清晰、明确，乐曲的整体性也随之提升。如肖邦的幻想即兴曲：某些特定的节奏型甚至决定了乐曲的风格特色，其中以舞曲最为突出。比如起源于古巴的伦巴舞曲。4/4拍的伦巴舞曲，又被称为爱情之舞，舞姿迷人，显得十分的浪漫。伦巴独特的节奏型，让欣赏者有明确的认知。同样是4/4拍的汉族秧歌却又这显著的不同。匚口听众或弹奏者不难区分这两种节奏型的差异性，节奏型明确了乐曲的风格，虽然同是4/4拍，但却有着不同的表现作用。只有正确的节奏型，才能跟贴切的理解乐曲的风格的差异性。（五）力度的表现功能对钢琴演奏的帮助一首钢琴曲的完整不仅是有准确的旋律进行和稳定的节奏，乐句的层次对比，以与旋律色彩风格的表达才是演奏的重点。力度表情的变化不是为了表现在音量上，而是表现整条旋律的进行上，通过音量和力度的变化，才能使得旋律有了变化，所谓乐曲的风格才能得到体现。强力度的色彩通常是明亮、开朗的，一般用来表现好卖、威武、热烈奔放的情绪。如俄罗斯作曲家利姆斯基一科萨科夫的西班牙随想曲的第一乐章，运用强力度与跳音的结合，表现出热烈奔放、振奋有力的情绪：弱力度的色彩与之相反，一般都比较柔和、黯淡，通常用来表现平静、恬淡、沉思的情绪。如舒伯特的摇篮曲，采用很弱的力度，结合优美的曲调，使音乐充满了温馨和甜蜜：掌"rPP上行的曲调与渐强的力度相结合，表现情绪的增长；下行的曲调与渐弱的力度结合，以表现情绪的减弱。如马思聪的狂想曲：（六）和声的表现功能对钢琴演奏的帮助除了旋律线条的变化外，乐曲的风格也体现在和声的组织上。不同时期、不同音乐家在和声的运用与组织上，都有着不同的见解和风格。如巴洛克时期的巴赫与他的创意曲。对于巴赫的创意曲，我们就要先从他独特的对位思路开始了解。对此，笔者有这样的理解。巴洛克时期华丽的装饰色彩，使得乐曲中多了许多的装饰音，而装饰音的演奏，不仅使弹奏者的技术更加的成熟，也丰富了音乐的效果，使听觉得到进一步的丰富和培养。这有利于音乐表现时的想像。不同的弹奏方法，使得乐句主题和声部的层次更加的分明，比如有的声部需要用连奏表现优美的旋律，有的声部需要用断奏或跳音来表现活泼生动的形象。不同的音乐形象，加深了学习者对于一些旋律固定进行的表现意义，这对理解乐句有很大的帮助。如：由于巴赫创意曲是典型的对位法创作的，但其基本主题往往只有简单的一个，而当乐句在不同声部中进行时又表现出不一样的音乐形象，对乐句的处理则成为重中之重。而巴赫的创意曲一般不标注表情记号和弹奏方法，于是演奏者要用自己的理解来处理乐句。当弹奏者对乐句进行自己的再处理时，自己的乐感也得到了进一步的锻炼。（七）调式的表现功能对钢琴演奏的帮助调式是一种主音和各音级音高关系的机制，其对乐曲的作用只有在曲调风格和多部和声的进行中才能显示出来。任何的一种曲调，只要与音乐要素结合起来,就能出现多种不同的色彩和功能。1：大调式的表现功能。大调式的主音关系由三个大音程构成。所以他具有光辉色彩和明朗的性质。常用来表现雄伟、庄严的情绪。当它与4/4拍结合的时候，就有了明显的风格。如国际歌：这是大调式在一般情况下的表现色彩，也有的大调式在节奏和音域上进行控制，使得大调也有了凄凉的情绪。如福斯特的老黑奴，因为速度的缓慢，节奏的平稳，音程又少了大跳的进行，音域较窄等因素，表达了作者对故乡的思念和对亲友离去的悲痛之情。2：小调式的表现功能。小调的主和弦是由三个小音程构成的。所以具有了黯淡的色彩和柔和的性质。多表现悲痛、凄凉、忧郁的情绪。如法国作曲家马斯奈为戏剧艾林尼士所写的插曲悲歌，描写了一个失恋者的悲痛心情：与之不同的有冼星海的在太行山上，虽然是小调式，但是采用了与2/4拍子的结合，利用弱起小节和附点音符的连接，是乐曲有了一定的抒情性，表达了游击队队员的坚强意志：结论在视唱教学的过程中，经常会发现钢琴好的学生，却不一定有一样好的视唱能力。学习钢琴，音准是不需要人来监控的，也正是因为这样，使得许多练琴的学生将注意力都投入在技术的操作上，而忘记了旋律线条的把握。或者是学生没有将旋律线条唱出来的经验,先入为主的把技术的操作放在了第一位，听而不闻、听而不想是常有的事。必须认识到的是：视唱练耳和钢琴是两门联系应很紧密的科目，一个是培养音乐思维的基础，而另外一个是对音乐思维的应用。然而，在教学中，教授基础课的教学却常常脱离实际应用，不了解学生在应用中的思维惯性，反之，专业老师又不了解学生的视听水平和思维惯性，也没有提出这方面的要求。这就导致了许多钢琴好的学生，不能有匹配的视唱能力。面对钢琴学生乐感的缺陷，人们一般都归罪于学生没有乐感。但是乐感是可以通过科学的、系统的训练所取得的。只有让学生有了足够的音乐语汇